Diario de Navarra

Björn Schmelzer (Antwerp, Bélgica, 1975) resulta un tipo simpático. Sonríe a menudo al tiempo que denuncia todo lo que considera un cliché. Aunque su melena rubia y sus conciertos pueda recordar una estética rock, casi heavy, este director de orquesta, pero también antropólogo, artista o cineasta, es una autoridad en la música de muchos siglos atrás, de compositores como Machaut, Ockeghem y Josquin, de los siglos XIV y XV. En los Encuentros habló este miércoles de la voz del pasado: “entre el ectoplasma y el fetiche” ¿Qué significa que la voz sea un ectoplasma? El término ectoplasma es grotesco, algo fantasmagórico que no existe. Se inventó a principios del siglo XX, por una extraña relación entre neurología y artistas charlatanes, médiums femeninos que fabricaron una cosa que salía de la boca, sin ser espiritismo. De hecho, hubo científicos serios, como Richet, que recibió el premio Nobel, y Schrenck-Notzing, que creyeron que, a través de hipnosis, sería posible que las fantasías y las ideas de una persona pudieran ser materializadas. A menudo quienes escuchan a mi grupo, Graindelavoix , dicen que es una experiencia corporal. Y me pregunto, ¿qué es ese cuerpo del que hablan? No es el real, sino un cuerpo superior. Cuando experimentamos música, nos sentimos físicamente tomados, pero ¿qué es esta fisicalidad? Eso es lo que quiero explorar. Para eso he inventado un nuevo término: ectoplasticidad. El arte siempre, en la música, pero también en el arte visual, consiste una exploración de un elemento superior. Hay en este ectoplasma algo emancipador, raro... El título habla también de la voz como fetiche. ¿Cómo ocurre eso? Hay dos tipos de fetiches, y la etnoplasticidad sería una forma de vía de escapar de ambos. Uno es la belleza. Existe una especie de belleza cliché de la música clásica, de la virtuosidad de las voces, una búsqueda estética, que está en un callejón sin salida. El otro fetiche es el historicismo, más complicado. Hay una estrategia extraña respecto a la música de hace siglos, una especie de melancolía. En un primer paso crean un momento histórico en el que todo era perfecto, en el que los cantantes sabían lo que hacían y en un segundo paso, lo cortan , se toma como algo que hemos perdido. Significa que estaba ahí, que se hizo en un estado perfecto en el pasado, y luego se perdió. Solo podemos llegar a este objeto perdido con la melancolía. Esto es otra fetichización. ¿Tiene que ver esta idea con comparar los repertorios del pasado con mensajes en una botella? La música del pasado era tan extraña para la gente del pasado como es para nosotros. Con la música contemporánea pasa lo mismo, también es extraña para nosotros. Cuando Guillaume de Machaut presentó su 'Misa de Notre-Dame' a sus cantantes en la catedral de Reims, tuvieron que encontrarlo muy extraño y nuevo. ¿Es posible conocer hoy la música antigua tal y como la conocían originalmente? Deberíamos librarnos de la fantasía de que la gente de su propio tiempo la comprendieron. Mi esfuerzo busca librarnos de la idea de sustanciar el pasado como algo cerrado, en la que sus gentes lo comprendieron todo. Creo que esto no es correcto. Puede ser una boutade, pero tal vez la entendamos mejor que ellos, de la misma forma que personas dentro de 50 años entenderán mejor nuestra música contemporánea. La música funciona de modo retroactivo. Poca gente es experta en música de hace siglos. ¿Por qué un lector de esta entrevista debería empezar a escuchar esta música? Cuando escucho a los expertos de la música medieval, suelo huir lo más rápido posible. Hay demasiada experta, demasiado culturalismo. Es un poco como cuando vas a un museo y un audioguía te explica la pintura. Esto puede ser interesante, pero es solo el elemento Wikipedia de la pintura. Pero luego está el elemento ectoplásmatico, que puede tocar a cualquiera. Es como cuando Roland Barthes lo llama el punctum, eso en una pintura o en una pieza musical que te toca, te mira, te agarra, te pincha, y para eso no necesitas ser un especialista. Honestamente creo que la música del pasado fue hecha para nosotros, y nuestra música está hecha para el futuro. En el arte contemporáneo ya pensamos que es visionario, y que las generaciones futuras lo entenderán. Con la música que hacemos ahora también puede ser vista para el futuro, para los visionarios. ¿El oyente puede hacer algo para que sea más fácil ese pinchazo? Cuanto más creas que sabes de la música, más difícil es que lo notes. Con Graindelavoix trabajamos en esta intuición del punctum. Estiramos los disonantes, usamos ornamentación para girar las notas. No seguimos estrictamente lo que es la partitura. Es como si condujéramos al oyente de la mano por un pasillo oscuro y les fuéramos llevando a diferentes puntos de localización, como hacen los ciegos. La idea es que ellos también consigan ese punctum o esa emoción. ¿La música antigua todavía tiene muchas cosas que no conocemos y que nos va a dar? Seguramente, pero lo que me interesa es lo que no sabemos de aquello que ya conocemos. Me encanta la repetición, escuchar una y otra versión... La riqueza de la música no está en el descubrimiento de una nueva pieza, sino en que la repetición en sí misma; porque en ella algo nuevo aparece. Quisiera decir una última cosa sobre la música antigua. Dígame. Hay dos formas de hablar de la música de hace siglos. Puedes decir música antigua o música temprana. Ambas son problemáticas, porque la música temprana habla de una escena antigua, primitiva, prístina, inmaculada, y que ahora ya está en decadencia. La música antigua dice que es muy antigua, un tipo de tesoro que tenemos que descubrir. Para mí , solamente llamarlas así, ya es un fetiche.

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Björn Schmelzer, director de orquesta: "Cuanto más crees que sabes de música, más difícil es que sientas su pinchazo"

Björn Schmelzer, experto en música de siglos atrás, huye de los expertos y del fetiche en que puede convertir el arte

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