Diario de Navarra

A pesar de sus dos Conchas de Oro en el Festival de San Sebastián, de estar en Netflix y de haberse hecho un nombre conocido en las carteleras de las salas de cine, Isaki Lacuesta (Girona, 1975) también hace cine fuera de ellas. Ha ideado más de diez videoinstalaciones en las que los proyectores, las pantallas y el sonido colonizan espacios de museos e instituciones como el pabellón de Cataluña en la Bienal de Venecia de Arquitectura, el Centre d’Arts Santa Mònica de Barcelona, el Artium de Vitoria o la Feria del Libro de Fráncfort. Para él eso también es cine, también da al espectador el poder de estar en dos sitios y en dos momentos a la vez. Este cineasta y docente catalán con familia en Tolosa -que nació Iñaki, pero cambió la ‘ñ’ por la ‘s’ por amor a su pareja Isa Campo, con la que ha trabajado en varios proyectos- mostrará hoy en la clausura del Punto de Vista esa otra faceta más desconocida. Mucha gente no se acordará de que usted se involucró activamente cuando el Punto de Vista estuvo a punto de desaparecer; en 2012 se organizaron dos días de proyecciones y conciertos en apoyo al festival y ahí estuvo. Sí, hubo un momento de encuentro de mucha gente, fue una fiesta muy divertida. En aquella época creo que fue la única cosa que salió bien. Se iba todo al garete y finalmente este festival continuó. Parece mentira que cosas que se dan por sentadas sean tan frágiles. Fue un encuentro de músicos, cineastas, espectadores, de gente de todos los lugares que fueron a Pamplona para que siguiera existiendo el evento. Fue fantástico. ¡Y nos dejaron tocar! ¿Tocó? Sí. Hubo una noche que se proyectaron películas hechas por directores con material de Super8 encontrado por ellos y cada película iba con una banda de rock que tocaba encima. En varias de las bandas tocábamos cineastas. Fue estupendo. Siempre decimos que fue el mejor año, en realidad, que nos dejaron hacer el burro. ¿Tú estuviste? Sí, fue un año muy agitado. De hecho el festival llegó a darse por muerto. Sí, cuando estuve en el Flaherty Seminar, en Estados Unidos, creo que fue en 2012, aluciné de que programadores que había de todo el mundo, asiáticos, argentinos... todos hablaban de Pamplona como un referente. Estaría bien que los políticos de aquí fueran conscientes del nombre que se ha hecho. Respecto a aquella noche me acuerdo que tocaron grupos como Manos de Topo, Don Simón y Telefunken, Mursego, Javier Corcovado... y Teatre Magnètic, con el que toqué yo. Ahora vuelve casi con otro estatus, con dos Conchas de Oro, después de haber tenido una retrospectiva en el Pompidou de París... ¿es otra persona? Seguro que soy otra persona, pero no por eso, sino porque me he hecho mayor, debo pesar veinte kilos más, he sido padre y todos cambiamos todo el rato. Aquello de decir: “A mí la vida es que no me cambia”... Pues bueno, serás una piedra. En Pamplona va a impartir hoy [por ayer] una clase magistral... La palabra magistral es un poco rara. Lo que voy a hacer es enseñar un poco mi trabajo documental en instalaciones. Con Garbiñe [Ortega, la directora de Punto de Vista] nos dábamos cuenta de que en los últimos años estoy trabajando otra vez el documental mucho, pero no para el cine convencional, sino para espacios más museísticos, exposiciones, trabajos más desplegados en el espacio. Me he dado cuenta también que mi interlocutor natural, que sería el público cinéfilo, no tiene ni idea de que he hecho estas cosas. Pensaba que estaba bien venir y enseñarlo. ¿La sala de cine sería una especie de faja que constriñe al cine? Para ver una película tradicional no hay un lugar mejor que una sala de cine por las condiciones de proyección, de sonido... pero no quiere decir que sea la única manera de ver cine. Yo creo que todos vemos cine de formas distintas, y cada una tiene sus ventajas y sus limitaciones. Yo con muchas piezas lo que he hecho es cambiarlas de forma, tienen distintas versiones para adaptarse al espacio. Ese tipo de trabajos lo ha llevado a sitios como el Sónar, la Bienal de Venecia... ¿Cuál ha sido el mayor reto para usted? Todas tienen complicaciones. Me gusta mucho lo de las exposiciones por el trabajo espacial. Son películas que se despliegan en el espacio y que el espectador las tiene que recorrer, y en función de dónde mire, y qué tiempo le dedique, va a ver una cosa u otra. También es complejo el diseño del espacio. Pensar en términos de diseñar un espacio es algo que nunca había hecho más que dentro de un encuadre. Hacerlo con arquitectos a mí me ha servido de mucho. En el Sónar entraba por ejemplo este tipo de relación tan directa con el público que da mucha envidia de los músicos, el poder reaccionar e interactuar con ellos, y depende de cómo sientas que el público respira poder cambiar tu película, algo que en el cine no puedes hacer. Me encanta. ¿En general le gusta mezclarse con otras artes? Sí, casa bien. Es que el cine por naturaleza es eso. Trabajas con fotógrafos, con escritores, con pintores, con músicos, con arquitectos, y de algún modo tú juegas un poco a ser todo eso, enseguida comprendes ese tipo de pensamientos. A mí me ha ayudado mucho para llegar a lugares donde no he llegado nunca por mí mismo. Hay ideas y formas de pensar y de entender la reacción con el espectador que luego puedo traer de vuelta al cine. A mí, por ejemplo, ver cómo trabajan arquitectos, que piensan cómo va a percibir el usuario de un edificio los materiales, son cosas que yo luego he podido aplicar al cine. ¿El cine también es construcción, de algún modo? Sí. Por ejemplo con los RCR que hemos trabajado bastante [el estudio de arquitectura que ganó el premio Pritzker en 2017]. Ellos son muy radicales a la hora de cómo conseguir que una idea suya sea visible, y cuando quieren que una idea sea visible la llevan al extremo. Ese tipo de ideas a la hora de hacer Entre dos aguas me sirvieron mucho. Así hizo la videoinstalación sobre la censura, en la que situaba cuatro pantallas que eran imposibles de ver al mismo tiempo. El espectador tenía un tiempo limitado y debía elegir qué veía y qué no. Usted la ha sufrido personalmente? Sí, pero más cuando era periodista de chaval. Yo empecé en prensa diaria, la ventaja de la prensa más pequeñita de mi ciudad es que me dejaban hacer un poco de todo. Aquella época Juan Pablo II sacó un libro y yo hice una crítica como si fuera literatura, analizando si era verosímil, el estilo, la construcción... y me la censuraron completamente. Con las películas la verdad que he ido bastante por libre. En Murieron por encima de sus posibilidades se quedó agusto, ahí arrasaba con todo, cinco ciudadanos que se vengaban por por la crisis económica. Sí, ahí no nos censuraron nada. Bueno, era esa misma época de lo de Punto de Vista. Era este momento en el que sentíamos que teníamos que juntarnos y hacer cosas juntos porque si esperábamos que alguien hiciera algo por nosotros no lo iba a hacer. Era una película hecha en cooperativa, estuvimos rodando varios años y nos divertimos mucho. Tenía como dos partes, una era conseguir hacerla sin necesidad de subvenciones, televisiones, preventas, ni compromisos con nadie, esto salió bien. La segunda era mostrar que ese modelo cooperativo podía ser rentable, y fue un fracaso total, ni técnicos, ni productores, ni actores cobramos nada. Pero la experiencia fue increíble. Hacerla fue la diferencia entre haber estado cuatro años en el paro o haber estado cuatro años rodando sin parar. En la clausura del Punto de Vista, a través de sitios que ha rodado va a remitir a sitios que no conoce. Sí, creo que como espectador ocurre todo el rato. La idea de la pieza vino de una filmación que hice en Sudáfrica, en Johannesburgo. Cuando les enseñaba a mis amigos las imágenes que había rodado me decían que pensaban que eran archivos que había comprado de Harlem o del Bronx de los años 50. De repente en un barrio de Johannesburgo estos chavales iban vestidos de modo muy retro, pero retro de distintas épocas, simultáneos, y cruzabas la calle y te encontrabas a chicas peinadas como Diana Ross en los 70. Era un viaje en el tiempo. Son imágenes que he visto y filmado que me recuerdan a otras imágenes que jamás he visto ni filmado. Y ahí, en ese segundo espacio se va a encontrar con el resto de espectadores, que tampoco han estado. Sí, tiene algo que ver con la propia experiencia del cine. Eso es lo bonito de los festivales, que tienes tiempo de compartir con los demás esa especie de telepatía, esa capacidad de teletransportarte. Lo que no hay tantos son directores que puedan estar tanto en el Festival de San Sebastián como en el Punto de Vista. No lo había pensado. Yo creo que en San Sebastián también habrá gente parecida, quizá en Zabaltegi o en otros sitios menos visibles. De todos modos yo tengo la vocación de no quedarme en un gueto, que las películas rocen entre distintos formas de hacer cine y lleven a públicos que en principio no lo harían. Murieron era una película que trabajaba con formas y con actores mainstream, pero trato de darle cosas y elementos del underground; y cuando estoy haciendo algo más underground trato de darle narrativas más populares también. Las películas experimentales para el público de festivales son igual de inocuas que las que se hacen para el público mainstream. Siempre he intentado hacer cosas que de algún modo no sean del todo las esperadas. al espectador se le puede hacer cambiar, no es un ser aburrido En Donosti ganó la segunda vez con Entre dos aguas que seguía la historia, doce años después y más ficcionada, de La leyenda del tiempo. La primera vez ganó con Los pasos dobles, que se completaba con El cuaderno de barro. Siempre hay esa dualidad. Sí, es como que todo se desdobla. Me he dado cuenta de que en mi trayectoria se se pueden agrupar mis películas como en diez parejas que se complementan de algún modo. Esta especie de películas dobles es algo que se ha repetido mucho en mi carrera. Películas sobre las que a veces he hecho un documental y luego una ficción. ¿Y por qué? Yo creo que tiene que ver con una necesidad, en cuanto abordo un tema, de hacerlo desde diferentes puntos de vista. Al hacer una película pienso que lo más natural sería filmar varias a al vez, tratar ese tema desde enfoques distintos. Pero al final suelo hacer dos.

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Isaki Lacuesta: “Tengo la vocación de no quedarme en un gueto en el cine”

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