Diario de Navarra

'Lo que arde', como 'Lo que el viento se llevó', habla de un concepto demasiado amplio como para definirlo en pocas palabras. Oliver Laxe trata en su película el desarraigo, el amor a la tierra de los ancestros, el alma rural, la naturaleza, a través de un pirómano que sale de la cárcel y es recibido en su aldea gallega por su madre de 85 años con un “Tendrás hambre”. Aunque Laxe nació en París, donde emigraron sus padres, la película es también un canto a su tierra, ya que todos los veranos recorrían más de mil kilómetros para volver a ese lugar que a él le parecía anclado en la Edad Media. Después estudió cine en Barcelona, se fue de Erasmus a Londres y a los 24 años se marchó a Tánger, donde vivió doce años y rodó sus primeras películas. 'Lo que arde', premiada en Cannes, ha deslumbrado con unas escenas de incendios como no se habían visto. Ahora, a sus 37 años, Laxe está inmerso en la temporada de premios (tiene cuatro nominaciones a los Goya), antes de impartir en junio el taller de cine en los estudios Melitón de Lekarotz. Responde esta entrevista a través de email. Su predecesor en el taller, Asghar Farhadi, explicó que lo que más le importaba era que los participantes llegaran a la creación desde su parte inconsciente, que se dieran cuenta de qué buscaban en el cine. ¿Usted? Les diría que se dieran cuenta de lo que buscan en la vida. El cineasta ha de conectarse con su esencia, aquello que está sumergido bajo capas y capas de personalidad, ego, neurosis, carácter, pasiones... Es lo que intento hacer con mi trabajo. Mi última película la he hecho en el valle donde ha nacido mi madre, estoy volviendo a la raíz, a la de mi linaje y a la mía propia. Queremos que el taller sirva a la gente, no es un taller formativo en sentido estricto, no queremos formar cineastas, queremos formar miradas, formar corazones y abrirlos lo más posible, que la experiencia sea transformadora. ¿Qué busca usted en el cine? El cine es un bastón que sirve al ciego para aprender a caminar en esta vida, hasta que esperemos que un día el ciego aprenda a ver y deje de necesitar el bastón y lo apoye en una pared. Esperemos. ¿Haber empezado su carrera con tanto reconocimiento -sus tres largometrajes han sido premiados en Cannes- puede ser peligroso como creador? Sí, obviamente. El éxito y el fracaso son nociones muy ambiguas. Hay que dejarse llevar por el camino. Mi primera película en Cannes era una película muy chiquita, la única española, y sentí que ése era mi camino de regreso a casa, a esa esencia. Muchas veces tu carrera crece pero en vez de ser más libre los proyectos se hacen más complejos y es fácil que dejes de tener la libertad que tenías. Creo que no lo he hecho mal, no he picado anzuelos engañosos, no he aceptado caramelitos envenenados, nunca acepté ningún encargo que no sintiera, siempre han sido proyectos necesarios para mí, con la gente adecuada, con productores que me acompañaban. Lo que es peligroso es perpetuarse en el cine, en el arte. Hay un momento en el que hay que entender que uno ya no necesita hacer películas, de la misma manera que es peligroso alguien que no necesita hacer películas y que se pone a hacerlas. Hay muchos casos de cineastas funcionarios, que creen que necesitan hacer sus películas pero en el fondo no las necesitan, las hacen más por razones egóticas, o se enfrentan al trabajo como si fuera una profesión, y no debemos caer en esa trampa. El arte no debe ser una profesión, es una herramienta terapéutica. ¿Se considera un 'outsider' en el cine? No. He tenido premios en el escenario más importante del cine mundial, en Cannes. Yo estoy en el centro del cine. Los que son 'outsiders' son los otros, los que no están en ese sitio. Almodóvar y Albert Serra están en ese centro, los demás me parece que son los que están un poco en la periferia del cine. No me considero un 'outsider' porque mi obra dialoga con ciertos linajes o tradiciones del cine históricos. No he trabajado desde una cueva, intento humildemente dialogar con los maestros, intento humildemente estar a su altura. Y ése, de alguna manera, me parece que es a veces el problema del cine español: los referentes están mal situados. ¿Cómo se ve en la gala de los Goya, donde se reúne la industria española? Bien. yo en el fondo hago un cine industrial, es un cine con alma pero mi película ha costado 1.200.000 euros, generamos economía, sinergias culturales y económicas. Es un cine industrial en toda regla y estoy muy contento de ir a los Goya y que se legitime esta manera de hacer cine que es industrial pero es una película frágil que se ha hecho con las manos, en gallego, en una aldea, con una mujer mayor de 85 años con sus tres vacas. ¿Cómo puede convertir a actores no profesionales en personajes tan asombrosamente reales como los de O que arde? Primero hay que mirar. Mi profesión se basa en observar. Hay que saber leer a la gente, su versatilidad emocional. Cuando vi a Amador la primera vez sentí que era el personaje. En mi vida me he cruzado con muchos solteros en el rural, hombres que no tienen las herramientas para vivir en este mundo y que por lo tanto se refugian en sí, se encierran, hibernan. Es una timidez, una inadaptación, un desarraigo motivado por un exceso de sensibilidad. Y eso se siente. He trabajado con ellos como si fueran dos actores, es una relación de respeto, de amor, y de mucha paciencia y tacto. Siempre que trabajo con actores no profesionales les digo: “Ok, entiendo que no confíes en ti, pero lo que no voy a aceptar es que no confíes en mí, y si te he elegido es porque sé que hay una verdad en ti, o sea que abandónate, date a mí y ya verás cómo generamos algo bello”. ¿Lo harían mejor Robert De Niro como Amador o Meryl Strepp como Benedicta? A Robert de Niro no lo veo como Amador, pero sí vería a Meryl Streep como Benedicta. No sé cuánto botox tiene Meryl Streep en la cara, pero una de las cosas que más me gusta de Benedicta es la dignidad con la que asume su vejez, lo que, paradójicamente, la hace ser joven. El nivel de lealtad que han tenido estas dos personas no sé si Robert de Niro y Meryl Streep la tendrían, de ensayar horas y horas bajo la lluvia, de estar siempre disponible con ese nivel de humildad y de lealtad. La cámara se mete en las llamas literalmente, ¿usted también se mete así en los proyectos, hasta quemarse? Sí. Yo me inmolo en cada proyecto. No es tanto una cuestión ideológica, es algo natural y muy orgánico. Yo necesito hacer mis películas. No diría que me va la vida en ello, podría vivir sin hacer películas, pero mi ser está totalmente en mis procesos creativos.He filmado en los prados donde generaciones y generaciones de mis familiares han nacido, se han sacrificado, han sudado, han celebrado, han muerto. Cuando eres consciente de eso tu corazón está en una posición muy determinada, y eso se nota en las imágenes. Hay demasiadas películas que no son necesarias para sus autores. El arte participa de la decadencia en la que estámos todos desgraciadamente un poco envueltos. La luz se está agotando, y el arte es un reflejo de ello. Su propia vida es poco habitual, ¿Si fuera un género de cine, a cual pertenecería? Al de aventuras, yendo a las películas más populares, que es un poco lo que me gusta del cine, que haya una alta cultura y una cultura popular. El problema es que siempre se democratice por abajo. En vez de que haya un equilibrio entre alta cultura y cultura popular acaba convirtiéndose el cine en una cultura de masas, en un producto. No se eleva, no se democratiza por arriba, siempre se nivela por abajo. Lo que me interesa del género de aventuras es que se aúna las aventuras épicas, exteriores, los obstáculos que uno puede tener en su vida, con los obstáculos interiores, las aventuras espirituales. Mi vida ha sido un poco así. Ha sido siempre coger el camino que me hiciera transformarme,que me hiciera sentir y entender lo que pedía mi alma, abandonarme, echarme al desierto, en el sentido físico y metafísico del término, en sentido literal y figurado. Parece que la próxima que va a rodar va a ser distópica, ¿qué puede contar? Efectivamente, es una serie de jóvenes que buscan una fiesta en el desierto de Marruecos, una rave, y les van a suceder cosas que hagan que se reconecten con su esencia. Lo que más me conmueve del ser humano es que a pesar de estar rodeado de bajeza materialista sigue necesitando trascenderse, llámese divinidad, dios, conexión o naturaleza. Sobre ese impulso humano girará esta película, sobre gente que quiere ir más allá de sus límites.

Diario de Navarra

Oliver Laxe: “El arte no debe ser una profesión”

El cineasta gallego, director de ‘Lo que arde’, tomará el relevo del iraní Asghar Farhadi e impartirá en junio un taller fílmico en los estudios Melitón de Lekarotz. La incripción ya está abierta

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