Diario de Navarra

La artista pamplonesa June Crespo Oyaga -“una de las figuras emergentes de mayor relevancia en el panorama artístico europeo de la actualidad”, según el Museo Guggenheim- suele trabajar entre su estudio del barrio de Rekalde, en Bilbao, y Alfa Arte, una fundición que está en Eibar. Estos últimos días, sin embargo, se ha traslado al icónico edificio de Frank Gehry, a menos de media hora caminando desde su estudio, donde ultima con su equipo la ubicación de algunas piezas en el montaje de June Crespo. Vascular. El Guggenheim no sólo le dedica desde el próximo viernes una exposición individual a sus 42 años, sino que pone en sus manos la sala 105, una de las más grandes del edificio con mil metros cuadrados, que ha acogido antes muestras de Warhol, Miró o Hockney. ¿Cuándo se empieza a preparar una exposición así? Cuando me invitaron era con año y medio a la vista. La propuesta en realidad fue en la semana del confinamiento, en 2020, y quedó todo en suspenso. La propuesta seguía en pie, pero la fecha se quedó en vilo hasta que se fijó para 2023 y luego, por otras razones, se tuvo que posponer hasta ahora. ¿La ha tenido en la cabeza todo este tiempo? Sí, no he trabajado en ello full time, pero empecé trabajando con maqueta en 3D, maqueta física... ha habido diferentes fases. La producción específica está transitada desde antes, pero llevo como año y medio trabajando intensivamente. También hemos hecho un catálogo que se lanza a la vez. En ese impasse, además, se coló la Bienal de Venecia, donde fue invitada a participar, ¿en su cerebro convivían las dos cosas? Sí, y una exposición individual en la CA2M de Madrid. El hecho de que haya habido proyectos en paralelo, cruzados, atravesando... ha hecho que a día de hoy la exposición sea lo que es. Parte de estas exposiciones está presente en Bilbao. Mi trabajo no lo concibo por proyectos sino como un continuo de líneas que van apareciendo, reapareciendo, dejándose de lado y retomándose posteriormente. Es una manera muy orgánica en la que el trabajo se entrelaza. De hecho en el Guggenheim presenta obra reciente, pero también anterior. La puesta en espacio da cuenta de cómo ha sido mi práctica. Al fin y al cabo estamos haciendo convivir en el espacio el trabajo que se ha hecho específicamente para aquí con obras de los dos últimos años y algunas que hemos rescatado de 2016, 2017, 2018, incluso algunas de hace unos años que las he ampliado, anexado, adaptado... ha sido una labor de poner en diálogo y ver cómo hay intereses que atraviesan mi trabajo. ¿Las propias obras se influyen unas a otras en el montaje? Claro, están conviviendo y puntuando el espacio. Para mí es muy importante la ubicación, el espacio donde están situadas, las relaciones entre las piezas y el espacio están en una tensión, en una activación mutua que hace que se sostenga de una manera interna o invisible. El montaje requiere de mucha precisión para que esas relaciones se den. También es importante qué ocurre cuando circulas, cuando caminas y esas relaciones ocurren en movimiento. No son fotos fijas. ¿Cambian las obras? Cuando tú rodeas una pieza estás viendo una serie de relaciones, tienes en el fondo otras, algunas tapan a otras y las descubres después... La exposición está muy concebida para circular, para ser consciente de tu propio cuerpo, de tu movimiento en relación a la presencia de la escultura. Hay algo visual pero también algo corporal. Las relaciones se están continuamente modificando. ¿Influye exponer en un edificio tan escultórico como el Guggenheim, con el nombre que tiene? No directamente en la propuesta. En este tiempo, hasta que la cosa toma cuerpo, hay reuniones... y sí que ha sido un peso, para bien y para mal, de motivación. Ha supuesto presión, pero también me ha servido de aprendizaje de liberar esa presión para poder hacer. Las noticias recalcan que expone en el Guggenheim “a sus 42 años”, ¿ese hito también da presión? Que al museo le interese trabajar con gente de mi generación es algo a celebrar. Estoy agradecido por haber tenido una oportunidad de producir para la exposición, pero también de reunir el trabajo de los últimos años y ver que tiene una solidez. Tampoco soy una artista emergente, emergente... ya tengo un recorrido. El hecho de abrir ese camino es algo a celebrar y ojalá ocurra más. Son llamativos algunos de los materiales que utiliza, como alfombras, cera de abeja, revistas, flores secas... ¿Tiene algo de experimento su trabajo? Tiene una parte procesual y experimental muy importante y una necesidad de no aburrirme o de motivarme con búsquedas de lo que el comportamiento material me da, cómo el comportamiento de ciertos materiales está hablando por sí mismo, Cuando trabajo mezclando diferentes elementos, algunos de diferentes materiales, es como poner en común cualidades diferentes y ver qué afectos transporta cada material y su comportamiento. Incluso es importante el gesto que yo le aplico a un material. ¿Por ejemplo? Un textil. Cuando lo tenso y lo estiro con hierro desde la pared y lo pongo en su límite aparece como una piel tersa o cuando es un material más acolchado que está debajo de una pieza muy pesada, es una piel que cae como una tela. Es entender su ligereza, las propiedades materiales, con ciertos gestos o maneras de ponerlos en relación y ver cómo habla eso. Todo el mundo tenemos memorias asociadas al textil. No como algo abstracto, sino como un saco de dormir, una alfombra, las revistas... todo el mundo tenemos experiencias de ojear revistas, escondernos detrás de una cortina, caminar descalzos sobre una alfombra... Estas memorias físicas con los materiales te están hablando sensiblemente. En los últimos años ha introducido además flores, tallos, motivos vegetales... Sí. Flores en realidad las llevo usando hace años, antes las introducía directamente, lo que pasa es que son materiales un poco efímeros. Luego los motivos botánicos han ido tomando otro lugar y especialmente en la obra que he producido para la exposición uno de los motivos es el cambio de escala de una flor. ¿Cómo? Es una strelitzia, una ave del paraíso, escaneada, impresa en 3D ampliada x veces, bastante grande. Luego ya viene un trabajo con moldes a través de la reproducción de este objeto impreso en 3D que viene de un elemento real. Muchas veces parto de objetos existentes y busco llevarlos a un límite, a un extrañamiento, a poder verlos de una manera que no los reconoces. Una de las maneras de alejarme, de reproducir ese extrañamiento, en este caso ha sido la operación de cambio de escala. Otra manera es dejar rastro de todos los pasos técnicos que tengo que dar por ejemplo en fundición. Para hacer una pieza de 3 por 2 voy dejando que se queden rastros, testigos de todas estas operaciones, y eso deriva en que al final la pieza tiene un montón de tubos que la atraviesan, cortes que no sueldo, soldaduras en algunos puntos, grietas, incluso accidentes. La parte experimental de la que hablaba. Hay una parte experimental y de jugar con el accidente, aquello que es fortuito, que yo no puedo controlar y es azaroso. Estas contingencias muchas veces para mí son la guía para poder articular una pieza con otra. Es importante que hagan click, o que se hagan uno todo las partes, y a veces un quiebro es lo que me da la guía. Hay ideas motor que me llevan a hacer algo pero sobre todo funciono desechando lo que he pensado y acogiendo aquello que me voy encontrando. Hay una escucha de lo que va ocurriendo, de lo que el objeto o la pieza me va pidiendo. A veces quiero ir por un lado, la pieza quiere ir por otro y hay una negociación entre sujeto y objeto. ¿Ya era así hace casi veinte años cuando ganó el Jóvenes Artistas en Pamplona? Sí, pero en aquel momento me estaba formando. Acabé la carrera en 2005, pero creo que soy más autoconsciente como artista en 2010, 2011. Esos cinco o seis años después de la carrera que trabajé de manera intensiva para mí son un testeo, hacer cosas no siendo muy consciente, era seguir formándome. Sin embargo llega un momento que siento que hay una evolución, hay madurez. Hay cosas que son iguales antes y ahora, incluso reconozco gestos o maneras que tienen que ver con las cosas que hacía de pequeña, o cuando estaba en la carrera haciendo cosas con revistas, por ejemplo. Pero luego ha habido exposiciones, trabajo... que hacen que el lenguaje se afiance, crezca, se expanda hacia los lados... intento que cada vez haya una línea que mantienes y también cosas que ensanchan mis límites.

Diario de Navarra

June Crespo, en el Guggenheim: "A veces quiero ir por un lado, la pieza por otro y hay una negociación"

La artista navarra inaugura este viernes la ambiciosa exposición ‘June Crespo. Vascular’, con la que el museo abre sus puertas por primera vez a una artista de su generación

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