Diario de Navarra

Hace unos días, el lunes, en la presentación de los conciertos y las actividades de la séptima edición del Festival de Música Contemporánea de Navarra NAK, Yolanda Campos, su directora artística, se refirió al ADN “peleón” de los integrantes del Centro de Música Contemporánea Garaikideak, promotor del festival desde 2015. Y como no serían quienes son si este año no reivindicaran algo, han puesto el foco en las creadoras y los creadores. Lo demuestra una charla con ella en la víspera del arranque este viernes de NAK, que ha programado en ocho días de actividades 35 estrenos. Lo hace por cómo defiende el trabajo de quienes crean -“el legado para generaciones futuras”- cuando no siempre su música es comprendida; por cómo demanda la mejora de las condiciones; por cómo apuesta por llegar a nuevos públicos, o por cómo entiende la vanguardia como impulsora del futuro. Garaikideak acaba de cumplir once años. No tiene sede, pero tampoco es para sus miembros una prioridad a corto plazo. Hábleme de lo que sí es una prioridad. En Garaikideak queremos exponer nuestros proyectos artísticos fuera del ámbito territorial de Navarra, algo que hemos empezado a hacer este año, pues hemos estado en dos festivales muy potentes, en Mostra Sonora Sueca [Valencia] y en Kuraia de Bilbao. Es importantísimo dar a conocer Garaikideak y todo lo que hacemos. ¿Y prioridades respecto a NAK? Varias. Primero, servir de plataforma que, si es posible, impulse un cambio de foco: nos gustaría que el arte y la cultura se consideraran un bien de primera necesidad y no solo un bien de mercado, que es lo que está pasando. La cultura nos reafirma como colectivo, como individuos, dota de personalidad al territorio. Lo comentaba hace poco en una entrevista Teresa Catalán y lo dice mucho Ramón Andrés: se está confundiendo cultura con ocio, y debemos aprender a diferenciarlos porque el ocio no deja poso y la cultura, sin embargo, es una herramienta fundamental en nuestra búsqueda de identidad. ¿Qué más querrían para NAK? Expandirnos a nivel internacional, y para eso necesitamos aliados que apuesten fuertemente por esta visión y nos acompañen. Creo además que NAK tiene mucho que ofrecer en el ámbito de la sostenibilidad porque, si bien el sector turístico ya es un sector económico de por sí, hay que encontrar una fórmula que cohesione estos dos sectores junto a un modelo sostenible de ciudad, y para eso es fundamental centrar el eje no solo en la conservación de patrimonio, sino también en la creación de nuevo patrimonio. De la que hablan desde la primera edición del festival... Es el legado que nuestra generación va a dejar a futuras. Dentro de 200 años, cuando se pregunten qué música se escuchaba, qué música se hacía de tradición clásica -en el sentido de académica-, ahí está también la que hacemos nosotros. En 2020 apostaron “por la música sin prejuicios, sin barreras, sin etiquetas”. Como compositores, ¿se sienten incomprendidos? El mayor problema al que nos enfrentamos es la escucha: no se sabe escuchar. Tengo ahora una pensadora de cabecera, Úrsula K. Le Guin, autora de Contar es escuchar, que dice que escuchar es establecer una conexión y que los oídos y la mente hay que tenerlos igual de abiertos. La música de vanguardia considera al oyente no como un consumidor pasivo sino como un colaborador activo, abierto a experimentar este proceso. El compositor y los intérpretes pueden guiar en la escucha, pero eso no significa darlo todo hecho, sino establecer una reciprocidad donde todas las partes se nutren y enriquecen. Mucho de nuestro público viene de la música clásica y de músicas que se consumen más habitualmente y buscan los mismos códigos, y eso no lo van a encontrar en la música de vanguardia, ni tampoco en el rock progresivo o el jazz experimental. Hay que venir con otra actitud para escuchar el concierto. Hay que reaprender a escuchar. Nosotros podemos hacer ese trabajo de divulgación de acercar al oyente en cuanto a referencias, pero debe ser un proceso recíproco. Hay textos respecto a la origen de la música de vanguardia que indican que se buscaba una música más intelectual y menos emotiva. ¿De verdad es así? Creo que ese concepto no está bien explicado. La música de vanguardia aparece a principios del siglo XX con la Escuela de Viena que buscaba un lenguaje diferente, experimentar. Pero, ¿por qué tiene que estar eso exento de la emoción? Porque emoción ya es el proceso creativo. La cuestión es que el resultado sonoro que se creó a partir de las obras compuestas, mucho más conceptuales, se alejaban de esas melodías y armonías tonales tan reconocidas y de una tradición de siglos, de modo que esa ruptura fue también un shock para el público entonces. Compositores incomprendidos en su época son muy admirados en su futuro, nuestro hoy... Ojalá en el futuro se reconozca nuestra música, pero creo que debemos trabajar por mejorar las condiciones de los creadores y creadoras ahora, en nuestro tiempo. Porque nuestra sensación es que por el trabajo que hacemos se nos pide un retorno muchas veces económico y en datos de público que no es inherente al acto de creación que, sin embargo, tiene mucho más que ver con eventos de ocio o masivos. Hay que abordar desde una óptica seria y profunda los problemas que arrastra el sector cultural. Hace un año, a raíz de la pandemia, existía una especie de revulsivo para apoyar al sector cultural y eso se está quedando en muy pocas medidas, como parches, sin reformar las estructuras, desde abajo, que es lo que hace falta. Comentaba antes que el público debe acudir a los conciertos de música contemporánea con mente abierta. Por no dejarlo todo en sus manos, ¿qué más se puede hacer?, ¿por parte de los creadores, de los intérpretes, de las instituciones, de todos? Por parte de todos. Los creadores podemos llevar una línea didáctica, como la que hemos abierto en el festival, enfocada a estimular el interés por lo que hacemos en nuevos públicos e incitar el desarrollo en las vanguardias. A nivel de programación, hay que programar más en la naturalidad de la música en sí, ya que normalmente se programa la obra de música de vanguardia como una especie de pegote. ¿Cómo lo va a recibir entonces el público? Pues como un prejuicio, como algo externo, que no le aporta, que no lo entiende... Hay que hacer un trabajo en contextualizar las programaciones donde quepa toda la música, la de hace 200 años y la que se hace ahora. Y luego, la educación: educar en las vanguardias como algo natural del mundo en el que vivimos. Toda la música es música, la del pasado y la de hoy. ¿Les han llegado a decir que lo que componen no lo es? De alguna manera, sí: que componemos sin sensibilidad, que lo que componemos no tiene un valor estético ni artístico en relación con los compositores del pasado más reconocidos... Pero la gente no entiende que no se puede poner en la misma balanza porque partimos de otras reflexiones estéticas, de otra conceptualidad en el arte. Y a pesar de eso, hace siete años se lanzaron al festival. ¿Por qué esa necesidad de crearlo? Responde a una necesidad vital de Garaikideak por la carencia que existía en Navarra por ofrecer este tipo de propuestas más arriesgadas, vanguardistas... ¿Qué significa la vanguardia para la sociedad? Impulsa el futuro, el cambio de foco que necesitamos. Los pensadores y creadores que en un momento dado cambiaron los cánones establecidos por actos de pensamiento y acción son los que han ayudado a establecer el futuro, los futuros necesarios, imaginando nuevas realidades y mundos posibles y cambios necesarios para la sociedad. No estamos viviendo en un mundo fácil, y el arte, sobre todo el de vanguardia, tiene mucho que decir en ese sentido. Se debe mojar. Y en Garaikideak nos comprometemos con la realidad de nuestro tiempo. En la web de Garaikideak hay una pestaña que se llama Partituras, y están publicadas todas las obras creadas desde 2011. Es un acuerdo que tenemos los autores y forma parte de ese proyecto de difusión y de acercar lo que hacemos. Son obras de libre descarga, más de 50, a las que habrá que añadir las de esta edición. Tenemos muchísimas descargas: nuestras obras se están tocando en los conservatorios, las están tocando ensembles... y nos honra. Porque para eso está la música, para moverla. En la rueda de prensa del lunes destacó que sin la ayuda de algunas instituciones el festival no hubiera salido. Daba la sensación que el año pasado era el complicado... Y todos esperábamos que este lo fuera menos en ese sentido, pero la realidad nos está haciendo ver que la situación sigue siendo tremendamente complicada, que las medidas que se han adoptado para el sector cultural siguen siendo insuficientes y que queda muchísimo por hacer en lo que se refiere a la dimensión creativa y el entramado cultural y artístico. Nosotros no nos cansamos de poner en valor lo que hacemos, no nos cansamos de hacer ese trabajo de difusión, no nos cansamos... hasta que nos cansemos. Porque tenemos una capacidad de resistencia total, pero todo tiene un límite. Y si se llega a él, ¿luego a las armas? O lo dejamos estar, abandonamos. Porque hay veces que el nivel de frustración alcanza cotas que te pueden afectar anímicamente. No somos de piedra. Vienen años complicados y veremos cuánto nos aguantan las fuerzas y si las cosas van evolucionando de la manera correcta, y no me refiero a un cambio que nos favorezca a nosotros, sino a que la sociedad necesita un mundo más justo, más cultivado. La gente tiene derecho a vivir una vida más plena. Y mientras, ¿cómo es el estado de ánimo la víspera de NAK? [sonríe] ¡Ay, estamos muy ilusionados, muy contentos! Ahora viene la parte bonita del trabajo, pues hasta ahora ha habido mucho de gestión. Ahora es cuando se ve la creación, el trabajo del resto de artistas que va a venir a NAK y el trabajo conjunto de un equipo que rema en la misma dirección. Ahora es cuando me viene el subidón y me digo que por esto hago lo que hago. La aventura de Garaikideak, “el mejor barco” que ha podido coger En la conversación con Yolanda Campos es imposible que no sea citado Ignacio Fernández Galindo. Ambos son cofundadores de Garaikideak desde el inicio, y él, de quien partió la idea. “Hace poco, en una charla con alumnos del conservatorio”, cuenta ella, “dije que sumarme con Ignacio en esta aventura es el mejor barco que he podido coger. Sin Ignacio no habría podido sacado el festival. Somos un pack, y a donde yo no llego llega él”. Garaikideak se creó en Pamplona en 2010 como “iniciativa cultural de carácter privado y sin ánimo de lucro e impulsada por músicos de Navarra, Aragón, Euskadi y La Rioja”. “Empezamos haciendo una producción anual, y a los cinco años de trayectoria, en 2015, dimos el paso al festival”, apunta Campos sobre aquella idea de Patxi Damián, que ya no está en el proyecto. Hoy, el grupo estable lo forman los compositores Campos y Fernández Galindo, David Cantalejo, Urtzi Iraizoz y Aitor Urquiza y una docena de intérpretes, habiendo pasado por Garaikideak como colaboradores más de una treintena. Nacida en Jaca (Huesca) el 31 de diciembre de 1973 (47 años), Yolanda Campos Bergua obtuvo el título de profesora de piano y después el título superior en la especialidad de Pedagogía Musical y Composición. Sus obras han sido estrenadas en festivales de España, Francia, Inglaterra, China, Argentina y EEUU y su música, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Navarra, David Johnstone, Coral de Cámara de Navarra, Silboberri Txistu Elkartea, Bruno Laurent, Ensemble Espacios Tímbricos, Proyecto Hélade y Ensemble Garaikideak, entre otros. Es cofundadora del Centro de Música Contemporánea Garaikideak, promotor del NAK, del que es su directora artística desde 2016.

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Yolanda Campos: “Con la música contemporánea hay que reaprender a escuchar”

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