Diario de Navarra

Con siglos de antigüedad e historia en el mundo del arte, el grabado también es arte contemporáneo. Al menos, en las manos de David Arteagoitia, artista que es capaz de conjugar esta técnica de impresión sobre una matriz con el arte conceptual y la estética, al tiempo que reviste de mirada poética un material de origen industrial (el carborundum) que no es propio del arte. El resultado son unas obras en las que a través del gesto de pintar crea unas composiciones profundas, llenas de movimiento, sentimientos, conceptos y abstracciones. Esta fuerza expresiva del trazo y del color, trabajada a través de grabados con carborundo, protagoniza la exposición que la Galería Fermín Echauri presenta hasta el próximo 15 de julio. Su autor, David Arteagoitia (Bilbao, 1980) es un artista visual formado en el campo de las técnicas gráficas, que desarrolla su trabajo en la estampa contemporánea y la obra sobre papel y que ha encontrado en el carborundum (carburo de silicio) su principal aliado para sorprender. David Arteagoitia, en la que es su primera exposición individual en Pamplona, presenta parte de sus creaciones realizadas en los últimos diez años. Las obras forman parte de una serie que se comenzó a gestar en 2007 cuando el artista estuvo durante un año en Londres becado por la Fundación BilbaoArte. Dichas obras, inspiradas en su experiencia en un barrio judío en las afueras de Londres, han evolucionado con el tiempo, pero mantienen intactos los pilares sobre los que Arteagoitia trabaja cada día. “La obra y el artista evoluciona, pero los conceptos sobre los que trabajo son siempre los mismos. Es igual que aquella idea romántica de que el pintor se pasa toda la vida pintando el mismo cuadro pero de diferentes maneras”, argumenta. ENCUENTRO CON EL GRABADO Arteagoitia descubrió el grabado con carborundum durante su formación académica. Tras estudiar en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y Florencia, el artista bilbaíno tuvo un primer contacto con la pintura. Pero se dio cuenta que no era lo suyo, que su concepción del arte no estaba alineada con la pintura tradicional. Y así apostó por el grabado, una técnica de impr+esión que estudió a lo largo de la carrera. “Hice mis pinitos, pero la pintura no era el medio en el que me sentía realizado. No me sentía sincero con lo que estaba haciendo. Todo era muy forzado, mientras que en la gráfica me encontraba a mí mismo”, explica. Así que apostó por el grabado, al tiempo que fue documentándose, buscando fuentes, referencias y artistas de otras épocas que hicieron de esta técnica su proceso creativo. Y comenzó con sus primeras obras, con las que tampoco estaba satisfecho. “Cuando me enfrentaba después a la obra ya realizada, tenía la sensación de que algo faltaba. Bebía mucho del dibujo, la obra se me quedaba dimensional, muy plana. Me pedía más material, más textura, más relieve. Todo cambió con el carborundum”, recuerda. Tras el descubrimiento del polvo de silicio, David Arteagoitia inició un proceso creativo que continúa hasta la actualidad, en el que dice sentirse cómodo mediante una combinación de técnicas y materiales que le permiten mostrar sus inquietudes estéticas y conceptuales. El resultado es la estampa contemporánea, esa obra sobre papel creada con la intención de expandir la gráfica y transgredir con ella los límites tradicionales del grabado. Porque lo que busca es un encuentro entre lo gráfico, lo pictórico y lo escultórico. Arteagoitia añade que este encuentro artístico que propone en sus obras puede apreciarse en la exposición de Pamplona, pues la muestra está planteada desde la concepción del grabado, con la idea de la impresión sobre una matriz trabajada con aguafuerte o aguatinta. “Las estampas que resultan de las matrices son las que voy reinterpretando, para lo que juego con la repetición, la yuxtaposición o la seriación”. GUIÑO AL ESPECTADOR A pesar de encontrarse cómodo con su trabajo, Arteagoitia renueva cada día su inquietud en busca de nuevos horizontes para su arte. También para sus clases y su encuentro diario con cuarenta alumnos como profesor de grabado y serigrafía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. “Ellos no me dejan pararme, cada día me pueden sorprender con una pregunta para la que tengo que estar preparado. No dejan de sorprenderme y no dejo de aprender con ellos”. Y este afán por indagar y reflexionar se muestra también en un proceso de investigación sobre el carborundum que le llevó cinco años de trabajo, convertidos después en el tema de su tesis doctoral. Conocida y estudiada la técnica, sumado a su espíritu inquieto, le llevó al uso de este material en su propia obra. Y lo hizo de una manera diferente a lo que años atrás habían realizado otros artistas “pues la diferencia estaba en el planteamiento. Aquí es donde entra la poética, pues es un material que no pertenece a las artes. No es un óleo, tampoco un acrílico ni un lienzo. No es una resina, una aguatinta, pero la plasmación del carburo de silicio tenía otras posibilidades”. El artista bilbaíno añade que, en su proceso de investigación, descubrió cómo algunos artistas comenzaron a utilizar el carburo de silicio en los años 60, aunque tampoco llegó a convencerle. “No quería imitar lo que otros hacía, sino aportar nuevas ideas y soluciones. Con su procedimiento, sólo había un reflejo gráfico que se dotaba de una textura lineal, un aspecto matérico, un recuerdo a los granos del carburo de silicio de la plancha pero realmente lo que había en la plancha era tinta y sólo me daba texturas negras”. Y, sin embargo, lo que él pretendía era que el carborundum estuviera presente en su obra, que se dejara sentir. “En esta serie, el material está presente, lo aporto directamente. Ya no es un reflejo ni un guiño visual, es una textura que está ahí, que la puedes tocar, la puedes sentir, la puedes ver, incluso hasta oler. Eso es lo que me pedía el cuerpo”, agrega el artista. Y recuerda cuanto le costó abastecerse del producto por su procedencia industrial. “Tenía que recurrir a suministradores industriales y fabricantes que no entendían muy bien para que lo quería”. REPOSAR LA OBRA De colores sobrios, austeros, pero a la vez llamativos, con la presencia del rojo en distintos matices, el blanco y el negro, en las obras de Arteagoitia es tan importante lo que pinta como lo que deja en blanco. De esta manera quiere implicar al espectador, establecer un juego con el público para que contemple la obra a distancia corta y larga. “Tiene ese doble juego. No sabes muy bien qué es lo que estás viendo. Hay una cierta ambigüedad y eso me gusta, desconcertar al ojo y hacer que el público no se quede con el primer golpe de vista. s. Cuando se acercan a la obra, descubrirán otras cosas. Por ello, pido al espectador que lea mis obras en estas dos distancias”. La abstracción y su obra contemporánea se basa en tres conceptos. No son otros que conjugar lo orgánico (el material), lo geométrico (volumen, relieve) y el acto de dibujar (trazos). “Combinar un elemento fluido, orgánico, natural y libre con otro elemento tan matemático, tan racional y cuadriculado, pues choca. He de conseguir que todos los conceptos hablen el mismo lenguaje”. Arteagoitia apunta también que esos trazos gestuales son pinceladas que llevan su tiempo. “Algunas me puede costar hacerlas una semana. Da la sensación de que son gestos espontáneos. Todo lo contrario, son trazos gestuales únicos, irrepetibles que están muy pensados”. Arteagoitia añade que su proceso de producción no es rápido y que una obra, una vez terminada, necesita un tiempo de reposo. “Necesito tiempo para mirar la obra, entenderla, tratar de hablar con ella. Te emociona, te ilusiona, pero igual van pasando los días y ya no estoy tan seguro de lo que he hecho. Es increí ble como una imagen te puede dar tanto y quitar tanto, cómo puede afectar a tu estado de ánimo“, concluye. + David Arteagoitia. Galería Fermín Echauri 2 (c/San Antón, 6). Hasta el 15 de julio. Horario: lunes a viernes, 10.30 a 14 y 17.30 a 20 horas. Sanfermines: 12 a 13.30 horas.

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El carburo de silicio impregna de volumen y texturas la obra de David Arteagoitia

El artista, que expone por primera vez en Pamplona, desarrolla su trabajo en la estampa contemporánea

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