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Festival Punto de Vista

Tres experiencias creativas, el broche de oro en el Museo Oteiza

Un peregrinaje con Fermín Jiménez Landa, el diálogo espacial entre Nancy Holt y Oteiza y la ‘performance’ poética de María Salgado

Fermín Jiménez Landa, en la 'Fuente de Alzuza', donde acabará el peregrinaje en grupo con el artista.
Fermín Jiménez Landa, en la 'Fuente de Alzuza', donde acabará el peregrinaje en grupo con el artista.
Actualizada 20/03/2021 a las 06:00

El proyecto de construir un programa especial para el último día del Punto de Vista tuvo mucho que ver con las ganas de colaborar con el Museo Oteiza y el interés y la fascinación que este espacio ejerce sobre la directora artística del festival, Garbiñe Ortega. “Me gusta sacar el cine de las salas para provocar otras experiencias creativas, así que hablando con el subdirector del museo, Juan Pablo Huércanos, nos pareció una magnífica idea que la obra de Nacy Holt irrumpiera en la sala de exposiciones del museo para ver cómo dialogaba con las esculturas de Oteiza”, explica. “Nancy Holt, que protagoniza una de las retrospectivas principales del festival, tiene el trabajo escultórico muy presente y muchas de sus obras se relacionan con el espacio, un concepto fundamental para Oteiza, así que nos pareció muy interesante poner el cine de Holt rodeado de las esculturas del artista vasco y ver cómo interactuaban entre sí”, abunda. Un poco después, Ortega habló con Fermín Jiménez Landa, que precisamente le comentó que ya estaba trabajando con un proyecto sobre Oteiza y su obra en el mundo, así que “surgió la idea de una peregrinación”, que se fue armando poco a poco con el artista, y que, según sus palabras, “buscaba relacionar el vacío del escultor con elementos más afines a su trabajo como el caminar, la cartografía o la provocación de situaciones”. Por último, cuando ya estaban componiendo el programa, a Ortega -muy interesada por el audio-, le pareció bonito acabar esta experiencia con la performance poética de María Salgado en la biblioteca del museo.

Un paseo de varias horas en el vacío generado entre dos esculturas de Oteiza

El pamplonés Fermín Jiménez Landa llevaba un tiempo trabajando con el Museo Oteiza, en un proyecto con el que quería aproximarse a la figura y el legado del escultor vasco mediante la exploración del vacío generado entre sus esculturas, cuando le propusieron una “acción colectiva” para el Punto de Vista. Así que se le ocurrió recorrer el vacío de 9 km existente entre la escultura Retrato de un gudari llamado Odiseo, en la Ciudadela de Pamplona, y la Fuente de Alzuza ubicada en el museo, en un paseo de varias horas con un grupo de asistentes al festival.

“Hay una larga tradición artística, relacionada con la metodología de la ‘deriva situacionista’, que tiene que ver con caminar saliéndote de los caminos acostumbrados. Me inspiré en ella y planteé algo así como un juego infantil que, como todos, es muy libre pero debe someterse a algunas normas”, explica este artista aficando en Valencia desde hace 20 años.

La normativa anticovid determinó que el grupo de caminantes no fuera superior a 15 personas, que se encontrarán a las 8.30 de la mañana en la Ciudadela y que, desde allí, ayudadas de una brújula y un mapa, trazarán el camino más recto para llegar al museo, situado en la localidad navarra de Alzuza. “Nadie sabrá qué va a pasar, porque dependerá de las personas que formemos el grupo, en el que yo solo seré un caminante más”, aclara Jiménez Landa.

Hay que tener en cuenta que muchos trabajos artísticos de este original creador tienen que ver con los recorridos, pero señala que es la primera vez que lo hará “en compañía” y como un evento marcado “en un día y un lugar”. “Aunque 9 kilómetros no es una distancia excesiva, el paseo va a ser algo muy experiencial -prosigue-. Normalmente uno se trasladaría al Museo Oteiza en coche, taxi o autobús por la carretera, pero nosotros vamos a ir caminando por la ciudad. Cuando alguien te saca de tu recorrido habitual se aprenden cosas nuevas. Crees que conoces tu ciudad, pero no es así en absoluto. Si alguien te obliga a ir por el callejón de detrás, por la periferia... hay sorpresa y hay aventura, eso seguro”.

Al final, el objetivo de una experiencia como esta -dice- es “descubrir la posibilidad de vivir tu vida de otra manera, de tener una mirada diferente sobre lo cotidiano, una mirada nueva a lo de siempre”.

IMÁN HACIA LO INSÓLITO

“También pasan cosas raras cuando te sales del camino, hay un imán hacia lo insólito cuando dejas la ruta trillada” y Landa pone de ejemplo un recorrido que hizo hace tiempo ‘rumbo a Bombay’, donde halló “en mitad de la huerta a abuelas cultivando mangos y a toxicómanos pinchándose heroína, algo que no veía hacía mucho tiempo”.

La aventura no tiene que ser algo espectacular y él reivindica el arte contemporáneo como un modo de transformar lo cotidiano en algo fascinante. “Hoy en día estamos inmersos en una cultura del consumo rápido. Todo tiene que ser superdivertido y superespectacular, pero nosotros vamos a caminar pausadamente, porque caminar es una forma maravillosa de pensar y encontrarse entre personas. Caminando surgen cosas que no surgirían sentados, como señalaba la escuela peripatética clásica, en la que el maestro paseaba junto a sus discípulos”, recuerda.

Para terminar, este artista del vacío reivindica este paseo en grupo como un “reto físico” en un festival de cine cuyo principal reto es el intelectual. Y destaca que además del desarrollo de la idea del viaje, del caminar y de lo colectivo, tiene que ver con el artista que trabaja en la calle o en el mundo real, y también con el descontrol y el humor.

El espacio como parte integral de lo escultórico, en cuatro cintas

 

El segundo plato fuerte en el Museo Oteiza es la proyección, en la sala de exposiciones del propio museo, de cuatro cintas de la creadora estadounidense Nancy Holt que forman el Programa 2 de los cuatro que componen su retrospectiva en el Punto de Vista. “Son películas en 16 milímetros, las más representativas de la artista y las más relacionadas con lo escultórico y el espacio”, señala Garbiñe Ortega, que califica a Holt como “alguien profundamente inspirador, muy libre y muy fuera del sistema del arte, cuya obra va de lo más sofisticado de la producción artística a las cosas más básicas que necesita el ser humano, como estar conectado con la naturaleza”.

La primera de las cintas Sun Tunnels (1978), de 26 minutos, documenta la creación del principal trabajo escultórico de Holt diseñado para una ubicación específica en el desierto del noroeste de Utah. La escultura presenta una configuración basada en cuatro tubos de hormigón o “túneles” alineados con la salida y la puesta de sol durante los solsticios de verano e invierno. La segunda cinta, Pine Barrens (1975), que dura 30 minutos, busca, en palabras de la propia Holt “evocar la naturaleza árida ubicada en la zona central y sur de Nueva Jersey. Aunque no aparecen retratados en el filme, es posible escuchar las voces de los habitantes de la región (pineys), que relatan sus sentimientos sobre la tierra, sus opiniones sobre la vida en la ciudad y sus mitos sobre la zona”. La tercera cinta que se proyecta es Tree Dance (1971), de solo 9 minutos de duración, que está dirigida por Gordon Matta-Clark y es una performance inspirada en los rituales de fertilidad de primavera. Para su desarrollo, el autor se sirvió de una estructura fabricada a partir de escaleras, cuerdas y otros materiales que construyó en la copa de un gran árbol.Con la cuarta y última película, esta sí dirigida por Nancy Holt y su marido Robert Smithson, Swamp (1971), de 6 minutos, la audiencia experimenta un paseo desde el punto de vista de Holt, viendo a través de la lente de su cámara y escuchando las indicaciones de Smithson. La visión se ve obstaculizada y la percepción distorsionada mientras tropiezan entre la vegetación del pantano.

“Las películas, en general, de Nancy Holt, no constituyen un trabajo cinematográfico que te cuente cosas, no es muy explícita la narración , pero te da acceso a muchos paisajes y a una forma de entenderlos muy privilegiada”, remarca Ortega, que añade que “aunque la retrospectiva que puede verse en el festival no es completa, sí contiene lo necesario para conocer la repercusión de su obra”. “El Programa 1 exhibe su estar en el mundo, su filosofía vital, su sentido del humor y su manera de relacionarse con otros artistas de los 70; el Programa 2 se refiere a esas grandes obras relacionadas con la naturaleza en lugares muy vastos de los EE UU; el 3 plantea juegos perceptivos y el 4 muestra la lucha de su amigo David Wheeler contra la leucemia”, concluye.

La ‘performance’ poética que inunda el espacio de un museo de escultura

 

“Salitre es un libro de poesía, pero también una performance poética que busca su lugar en el espacio”. Así lo explica su autora, la artista madrileña María Salgado, que hoy representa en la biblioteca del Museo Oteiza una manera de poner en voz un libro de poemas sobre sueños, “sueños de varias personas, pero que parecen una sola”. Licenciada en filología hispánica y doctora en historia de la Literatura con una tesis sobre poesía y arte, Salgado trabaja con el lenguaje como material de textos, audiotextos y acciones y reinvidica la poesía como “una militante”. “El lenguaje es la tecnología más barata, podemos compartirla fácilmente y es la más democrática, porque no pertenece a nadie y solo requiere del tiempo y la atención necesaria para disfrutarla. Te da mucho placer y muchas vidas, te permite imaginarte de otros modos, y para ello solo tienes que ir a una biblioteca y coger un libro, o ir a un recital y sentarte a escuchar”, declara.

Salitre es una performance de 40 minutos pensada para sorprender al oyente que acuda hoy a Alzuza. “No hay proyecciones, solo un juego de voz en vivo y también de voz grabada que se emitirá por distintos altavoces para que inunde todo el museo y atrape a quien se encuentre en él. Se escuchará poesía leída directamente desde el papel, de memoria, a capela... Se observarán distintos tratamientos muy sencillos de la voz, colocados en distintos puntos del espacio. Un sonido cuadrafónico que potenciará la escucha y la conexión entre todos los que estemos ahí”, remarca la artista que, gracias a su presencia en el Festival Punto de Vista, visita por primera vez Pamplona y Navarra.

Salgado quiere dar a la poesía “un significado más moderno”. Para ella, texto, audiotexto o acción van siempre unidos, porque cada uno de estos elementos ofrecen distinta recepción al lector, oyente o espectador. “El libro es más democrático, pero la performance tiene algo de acontecimiento y encuentro físico de los cuerpos que se conectan entre sí; y el audiotexto tiene una presencia muy fuerte, muy libre y muy intermedia entre los otros dos lenguajes”, señala.

Esta madrileña, que trabaja desde 2012 la exploración del sonido en escena con el compositor Fran MM Cabeza de Vaca, afirma que con Salitre quiere hacer la más sencilla de las performances de la lectura de un poema. “Siempre me pareció que la diferencia entre leer un poema y recitarlo (con la pausa, el tono) es muy frágil y que todas esas gradaciones que la poesía transita entre el habla y el recitado, son también la poesía”.

Salgado, que vivió, investigó y descubrió en Argentina y en Estados Unidos la vanguardia de las performances poéticas, cree que “la escena poética oficial en España es bastante tradicional, tiene mucho de academia y de jerarquía y la domina muy poca gente”. “Dicen que la poesía está muerta o que va a morir -prosigue-, pero a la vez hay un gran deseo de ella, además de la gran potencialidad que tiene la poesía para seguir viva”. Para salir de esta situación de estancamiento, Salgado dice que se necesita “investigación”, ya que no es facil innovar en un arte milenario, “salir de nociones muy conservadoras y muy reguladas sobre el lenguaje, el yo y los sentimientos” y “crear nociones vivas”.

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