Diario de Navarra

Conceptos como la existencia, la vida efímera, el territorio o la geología fluyen con naturalidad en el pensamiento de Carlos Irijalba que apuesta por el arte como una manera de sintetizar o reflexionar sobre el mundo que él considera inabarcable. La huella que los seres humanos dejan en el territorio es una constante en sus procesos creativos que comienzan con una idea, prosiguen con una profunda labor de investigación y concluyen con una instalación, fotografía u objeto que espera el momento de ser expuesta. Pero sin prisa, porque a Carlos Irijalba no le interesa tanto crear y acumular obra, sino todo el proceso previo, que puede durar años, de exploración tanto en contenidos como en materiales. Su manera de entender el arte, su forma de trabajar y sus inquietudes, tanto vitales como artísticas, quedan patentes en Vía Tópica, la exposición instalada en la Casa del Almirante de Tudela y en la que las obras que la componen se revelan como objetos transitorios entre lo geológico y lo humano. Carlos Irijalba, que vive entre Amsterdam y Nueva York, cuenta con una dilatada trayectoria artística y ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales. Detrás de cada una de sus obras hay muchos razonamientos y exploraciones. ¿Qué quiere expresar con la exposición de Tudela? El título es una connotación que tiene que ver con el momento que estamos viviendo. Vía tópica es una forma de aplicar una crema, es una aplicación por vía cutánea y quería hacer una reflexión entre superficies. Por ejemplo, nuestra superficie de contacto con el mundo o la superficie de la tierra en contacto con nosotros. Es decir, dónde empieza y acaba la capa de pelos que tenemos en la piel y que nos mantiene en contacto con el aire o donde acaba el aire que se mete en los poros de la piel. Quiero mostrar esos límites entre superficies sensibles, como la de la piel humana y la de la tierra. Ha hecho de la geología una de sus principales aliadas en su expresión artística. ¿Qué se esconde detrás de esa relación entre la tierra y los seres humanos? La geología tiene unas connotaciones de tiempo abstracto. Todo lo que vivimos, nuestra propia vida es muy efímera. La geología es como un folio en blanco, que nos enseña muchas cosas. Por ejemplo, que todo es dinámico, pero nuestro lapso de tiempo es mucho más efímero que el de la tierra. Pero con este planteamiento, no quiero hablar de que, como estamos aquí para cuatro días, tiramos las bolsas de basura en cualquier lado. Mi intención es la contraria, es pensar en todo lo que contaminamos y los residuos que generamos y que es nuestra responsabilidad cambiar las cosas. La multiplicidad, el aumento de la población, la responsabilidad que tenemos dentro del poco tiempo que estamos en la superficie y la capacidad de transformación que tenemos. Esa es la reflexión. Sus referencias al territorio son tan fuertes que no presenta las obras de la misma manera según el lugar donde expone. ¿No es lo mismo hacerlo en Tudela que en otra ciudad? En cada exposición, aunque no es lo más práctico, intento hacer algo nuevo y reaccionar al lugar donde expongo. No me interesa crear una exposición y convertirla en itinerante, que vaya de la misma manera de un lugar a otro. El espacio expositivo es el que nos permite hablar del mundo, pero el mundo no cabe ahí, tan solo puedes dar referencias. Y cuando creo una obra, lo que intento es que puedan tener sentido allí donde las presento. Mi familia es de Olite y cuando me propusieron la exposición en Tudela, lo primero que pensé fue en el paisaje, un paisaje muy árido, unas tierras muy barrosas, esos marrones claros. Skins es una serie en la que se encuentra la reproducción, a partir de un escaneo en tres dimensiones, de una pared de la Cueva de Altamira. ¿Son procesos difíciles de producir? Es la mayor inversión en obra que he hecho en mi vida y el proyecto hasta ahora no se ha vendido, pero merece la pena. He invertido cinco años en el proyecto Skins y todo comenzó en 2013, en una exposición que hice en Holanda. Conocía la existencia de esos escaneos y que se habían reproducido paredes duplicadas por si el pintor que realizaba la restauración de las pinturas rupestres se equivocaba. Intenté que me prestaran esas paredes de Altamira para la exposición, pero no fue posible. Así que decidí producirlas yo. Los escaneos ya estaban hechos y recogidos en unos disquetes de geología digital. Los documentos recogían escaneos de cuevas importantes, todas ellas con pinturas rupestres, pero no se reproducen, salvo Altamira y poco más. Y a través de un amigo, encontré a unos trabajadores que habían formado parte del equipo que estuvo en la réplica verdadera de Altamira. ¿Ha pensado alguna vez que igual su trabajo no llega a ser entendido por el público? El artista, a veces, puede hacer una obra para alimentar su ego, pero no es mi caso. Produzco poco porque no me interesa tanto vender, sino analizar lo que ocurre en el mundo. Cuando creo algo, quiero pensar que servirá para una reflexión del espectador, pero no creo que sea unidireccional, en el sentido de esto quiero decir, esto tiene que captar el espectador. Sería muy vacío. Con cada objeto intento proyectar lo que veo, pienso o pongo en relación. A partir de ahí, la obra no me pertenece ni responde a mi voluntad. Pero quiero creer que esa pieza, al igual que para mí es un espejo, existe una posibilidad de que para el espectador sea también un espejo o un prisma en el que leerse a sí mismo, leer a la sociedad y no tanto al autor. Reconoce que no es un artista con una producción excesiva. ¿Por qué? Mi proceso de creación es largo en el tiempo, sin prisa. Algunos me han costado cinco años, como el de Skins. Lo que acabamos destilando como trabajo acabado es una parte del viaje. Yo lo que más disfruto es recorrer el camino completo. Es el proceso de investigar, de explorar, que la investigación me pueda llevar a Hawai o a Irurtzun, como me ocurre ahora con un proyecto que tengo entre manos. No es por viajar, sino por conocer. El artista, al igual que el filósofo, el escritor u otros trabajos, es una profesión que te genera mucha suerte. Te permite, dentro del contexto, conocer el mundo en una dirección. Me siento afortunado por poder dedicar tiempo a deglutir, a entender el mundo. Inmerso en sus estudios, pruebas y creaciones, el artista también participa del mundo. ¿Cuál es su papel en la sociedad? La función que la sociedad le otorga a un artista es la forma más abstracta de participar en lo que ve y en lo que siente. Las tesis doctorales o las investigaciones científicas son muy específicas, obtusas, muy agudas, mientras que el artista tiene más puntos de visión y de acción abiertos. Es más creativo, pero esa presencia del artista en la sociedad no se puede traducir en una multiplicación el ego. No lo creo, al menos en mi caso no. No se trata de alimentar el ego, sino de investigar y presentar distintas perspectivas. Por ejemplo, como ocurre en esta exposición que muestro relaciones inesperadas entre la geología y los ciclos humanos. O un proyecto que he realizado de espuma metálica que surgió al considerar en mi cabeza que la espuma metálica es en sí misma es una contradicción. En su manera de trabajar, ¿le gusta mantener vivas varias piezas a la vez o prefiere empezar y terminar una obra? Suelo llevar 8-10 proyectos a la vez. He sufrido mucho cuando me he dedicado a un solo proyecto y me he encontrado con muchas puertas cerradas. No sé, voy a una empresa de aluminios, a una empresa que factura miles de millones y llegó yo, con mis ideas, y lo que piensan es que no tienen tiempo para mí y que estoy medio loco. Y es entendible. A veces me ha ocurrido, pero también hay empresas muy receptivas. Cuando he trabajado en un solo proyecto me he llevado muchas decepciones y también mucha ansiedad. Con varios proyectos a la vez, te curas la frustración. Es una cuestión de salud mental. Escaneos de paredes de cuevas, instalaciones, fotografía, materiales de todo tipo. ¿Su abanico creativo es muy amplio? La fotografía la utilicé mucho al inicio de mi trabajo como artista, en cierta medida, por cuestión económica. Pero siempre he creído que podía funcionar. Me gusta por la inmediatez y porque me parece que es una buena herramienta de evolucionar el pensamiento. En cuanto a materiales, no renuncio a nada y me gustaría expandirme más. Ahora estoy trabajando también con industria y metal, me interesan esa relación que se establece entre los procesos industriales, que parecen muy fríos y geométricos, pero que supuran como elementos orgánicos. DNI Carlos Irijalba Asurmendi nace en Pamplona en 1979. Estudia en el colegio Larraona y, antes de cumplir 18 años, vive unos meses en Londres, antes de estudiar Bachillerato Artístico en la Escuela de Arte de Pamplona. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, durante su etapa universitaria estudió en Berlín y residió en la Rijksakademie en 2013 y 2014. Padre de una niña, vive entre Amsterdam y Nueva York y su obra se encuentra en colecciones nacionales e internacionales.

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Carlos Irijalba: “Intento que mis obras sean un espejo en el que leerse a sí mismo y a la sociedad”

La relación de la geología con los ciclos humanos centra buena parte de la creación de Carlos Irijalba, artista navarro que vive entre Amsterdam y Nueva York y que cuenta con una dilatada trayectoria artística y expositiva

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