Diario de Navarra

Una mirada, un gesto, un silencio pueden decir mucho más que las palabras. No hace falta escribir un texto para adentrarse en el terreno de las emociones y los sentimientos, basta con apelar al movimiento, la expresión corporal y la búsqueda de nuevos lenguajes para contar historias comprometidas, capaces de generar estados emocionales que van desde la alegría y la tristeza hasta el miedo, la rabia o el amor. El teatro gestual también tiene su espacio en el festival de Olite con la puesta en escena de Kimera, una producción de La Banda Teatro-Circo que aborda el tema de la migración a través del teatro, el circo y la música en directo. La compañía navarra está dirigida en este espectáculo por Joserra Martínez, miembro de Markeliñe, director de gran parte de los espectáculos de la compañía vizcaína y un creativo con más de 25 años de trayectoria profesional. Tras estrenarse en Villava poco antes del confinamiento, Kimera regresa a los escenarios en un espectáculo ambientado en un muelle de carga en el que sus trabajadores, entre sus mercancías, encuentran a una mujer que huye de lo insoportable en busca de una vida mejor. ¿Kimera es el mismo espectáculo que el día del estreno o ha sufrido modificaciones derivadas de la crisis de la Covid19? Había un montón de funciones programadas tras el estreno, pero no pudo ser, ya se encargó la Covid19 de destrozarlo todo. Ahora estamos en la era post Covid19 y ha tocado adaptarnos, nos hemos reajustado a la nueva situación. Nuestra propuesta sigue siendo la misma. No es otra que un viaje en varios sentidos que pretende mostrarnos una realidad. Es una apuesta muy visual, sin texto, con lenguaje de circo donde se intenta transmitir ciertas emociones, ciertas sensaciones, determinadas imágenes con el objetivo de mostrar la llegada de una migrante a un mundo diferente. En un espectáculo sin texto, ¿en qué debe incidir el director con los actores? Hay que trabajar mucho su silencio, su mirada y, sobre todo, que sean capaces de expresar lo que se quiere expresar. Al no tener un texto, es muy importante su mirada y su pensamiento. Cuando uno piensa, en el fondo está hablando, y algo así sucede en este tipo de teatro. Los actores y actrices tienen que estar pendientes de contarnos al público lo que ellos están pensando y hacerlo de una forma creíble, sin sobreactuar, sin que sea tipo cine de los años 20 expresionista. No hay que caer en la sobreactuación. ¿Y qué es lo que piensan los actores y la actriz en Kimera? Aunque la obra está ambientada en los años 40-50, lo que piensan tiene un roce mucho más cercano. Ellos piensan como es recibida esta mujer que viene de otro país, que ha vivido una guerra y que ha sufrido y como la aceptan. Lo que cuentan es un poco lo que entendemos que se debería hacer en una sociedad grande, plural y democrática. Después de varias escenas, es muy liberador tanto para el público como para la historia ver que esta persona es aceptada. Pero si lo contamos racionalmente es muy tópico, así que el espectáculo cuenta con una serie de elementos que se suman a la historia para llegar a ese corazoncito que tenemos todos. Insiste en la capacidad del teatro para emocionar. ¿Ocurre con todos los lenguajes artísticos? Se llame teatro, circo, música o museos. En el caso del teatro visual y gestual, es apasionante. Cuando se habla, el mensaje nos llega al intelecto. Nos llega a los oídos, lo procesamos, lo entendemos y nos emociona, si se da el caso. Pero cuando es físico, nuestra percepción es distinta, el cerebro se relaja, disfruta, se regodea con lo conocido. Ese es el objetivo del teatro, que podamos salir distintos a como hemos entrado. Da igual el sentimiento, pero tiene que fluir. Miembro de la compañía Markeliñe, ¿cuál es su relación con La Banda y por qué asumió la dirección de su espectáculo? Hace tres años hicimos Julietas, Romeo Circo, una versión de Romeo y Julieta en lenguaje de circo. Los de La Banda fueron a ver el espectáculo, ellos estaban en el proceso de creación de un proyecto que querían hacer de una manera diferente. Querían compartir la experiencia de su trabajo con otros creadores, buscar otra perspectiva. Eso siempre es enriquecedor. Y en ese punto es donde nos encontramos y donde Markeliñe es interesante. ¿Quiere decir que la experiencia es un grado? Markeliñe tiene una amplia trayectoria Tiene 37 años de historia y algo hemos aprendido en este recorrido. En aquel momento, por circunstancias de la vida, empezamos a hacer mimo. Nosotros decíamos que el mimo no era teatro, pero afortunadamente pronto nos dimos cuenta que el mimo era teatro, era una forma de expresión. El mimo clásico se nos empezó a quedar pequeño porque no te sirve para comunicar ciertas emociones y sensaciones. Así fuimos pasando al teatro gestual, teatro visual, que tiene otros componentes, otra forma de hacer y otros objetivos. ¿Es más fácil llegar al público con el teatro gestual o resulta más complicado? Es más fácil porque es más inmediato, mas directo. Es menos analítico pues hablamos de gestos y a veces símbolos. Y la simbología entra de forma muy directa. A los niños no les cuesta nada, lo entienden todo según les llega. No lo analizan, ni se preguntan si está bien o está mal, simplemente lo reciben. Los adultos tenemos tanto los músculos como los huesos un poco duros, y a veces también el cerebro, no somos capaces de ver y comprender lo que dicen los símbolos. El reencuentro con el público en esta crisis de la Covid19, ¿se puede convertir en el guión de una obra de teatro capaz de emocionar? En el teatro hay muchos frentes. Hay gente que lo está pasando muy mal y otros que tenían un poco más de fondo y lo han podido soportar mejor. En cualquier caso, las instituciones tienen dos obligaciones. Una es con el público, al que tienen que darle una oferta cultural y de ocio interesante y de calidad. La otra obligación moral que deben tener es con las estructuras creativas, deben comprometerse para que puedan mantenerse, de lo contrario no van a poder generar espectáculos, tampoco espíritu crítico, ni actividades que hagan que la sociedad sea un poco mejor. El arte nos hace superar la miseria, somos una sociedad civilizada y eso es lo que nos hace mejores. No estamos en una cueva haciendo pinturitas, tenemos que tener un arte mayor. Las estructuras creativas y los artistas tenían que estar un poquito mejor cuidados. No dijo mejor que nadie, pero si tan bien como otros sectores que reciben subvenciones y ayudas. Se trata de pedir las mismas cosas que tienen los demás. No más, sino lo mismo. Sería lo justo. FICHA ARTÍSTICA Representación: Jueves, 30 de julio. La Cava. 22 horas. Entradas agotadas. Reparto: Izaskun Lasarte, Txetxu Collado, Nano Napal y Jorge Cordón. Dirección: Joserra Martínez Ayudante de dirección: Maribel Martínez. Música original y en directo: Jorge Cordón. Diseño Escenografía: Icaro construcciones y Tesicnor. Construcción de escenografía: Icaro y Talleres Urrelar. Iluminación: Livory Bárbez. Logotipo: Izaskun Hernandez. Fotografía y diseño gráfico: Itziar Matxain. Producción de videos: Kaptura. Web: Juan Napal. Distribución: Quiero Teatro. Sinopsis: Un muelle de carga. Personas que trabajan, pasan o llegan, en busca de una vida mejor. Una mirada a la sociedad actual, una invitación a pensar en el motivo que mueve a tanta gente a dejarlo todo para viajar a un lugar desconocido, desamparados, sin relaciones, donde el futuro, por muy incierto que sea o por muy oscuro que se plantee, siempre es más esperanzador que en el lugar de origen. Kimera es una producción de La banda teatro-circo.

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Joserra Martínez: "Hay que trabajar mucho el silencio y la mirada para que la historia llegue a emocionar"

La Banda Teatro-Circo aborda el tema de la migración en una obra dirigida por Joserra Martínez, de la compañía Markeliñe

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