Diario de Navarra

A sus 85 años (cumplirá 86 en diciembre), Esther Ferrer es una de las pocas artistas que pueden contar cómo vivió los Encuentros del 72. Afincada en París desde hace casi 50 años, viajó a Pamplona para participar en la mesa redonda organizada por la Academia Jakiunde con el título 'Creatividad: Encrucijada entre sentimiento y pensamiento', en la que también intervinieron el científico Humberto Bustince y el neurólogo José Félix Martí Masso. Cincuenta años después, ¿cómo recuerda los Encuentros del 72? Con cierta nostalgia: yo era joven y también vivíamos una situación especial, en pleno franquismo. Dentro del grupo Zaj estuvimos debatiendo sobre si debíamos participar o no en los Encuentros. En general, todos los artistas teníamos nuestras reticencias, pero para mí hubo un factor importante. Cuando yo era jovencita, tuve la ocasión de ver un espectáculo al estilo del teatro Kathakali de la India. Supongo que lo vi en Francia... Era algo que nunca se había visto antes en España. Eso me hizo pensar que los Encuentros podían ser importantes para la gente de Pamplona, porque iban a poder descubrir cosas completamente diferentes. ¿Qué detalles recuerda de su actuación en Pamplona con el grupo Zaj? El mismo día de la actuación, ETA puso una bomba en el Gobierno Civil. Nos estuvimos planteando si hacíamos el concierto o no, y al final decidimos que sí. Recuerdo que el Teatro Gayarre estaba rodeado de ‘grises’ (policía franquista). En aquella época existía Radio España Independiente, que solo se podía escuchar de vez en cuando porque Radio Nacional emitía un sonido fuertístimo que no te dejaba oírla. Mi compañero Walter Marchetti había grabado ese sonido y lo metió en la última pieza que hicimos en el Gayarre. En el escenario colocamos una mesita con una vela, la encendimos y pusimos el sonido de la grabación con todas las luces apagadas, salvo las de las salidas de socorro. Esto fue el no va más. A los del teatro les obligaron a echar el telón y desalojaron el Gayarre. No sabes la angustia que sufrimos Walter, Juan y yo pensando qué podía pasar si la gente se agitaba o si la policía empezaba a disparar. Esa sensación de angustia me viene como si esto hubiera pasado ayer. ¿La policía les dijo algo? No. La policía no entendió nada. ¡Cómo se iban a imaginar que ese ruido era el de Radio Nacional de España! Walter estaba censurando la censura. A nuestras acciones les llamábamos “conciertos” porque así no pasaban la censura. Si decías que era un concierto, pensaban que salías a tocar el violín. En los Encuentros también conoció al músico estadounidense John Cage. Yo ya conocía su obra, pero coincidí con él en Pamplona. Después de los Encuentros, Cage nos organizó una gira por Estados Unidos, viajamos en autobús de Nueva York a San Francisco. John Cage era un hombre que sonreía mucho, se reía fácilmente... La relación fue muy fácil porque era un hombre acogedor. Además a él le interesaba mucho la anarquía, solía hablar del movimiento anarquista español. Una vez me pidió que le enviara un texto dándole mi opinión sobre si la anarquía tenía un futuro. Creo que el futuro de la anarquía es el feminismo. La anarquía lucha contra el poder piramidal y en el feminismo luchamos contra el poder patriarcal, que también es piramidal. En 1978 participó en el proyecto 'El tren de John Cage' con una ‘performance’ dentro de un tren que salía desde Bolonia. ¿Cómo surgió aquella acción? Mis compañeros del grupo Zaj se ocuparon de la sonorización del tren, y yo cada día hacía una ‘performance’. Juan y Walter habían grabado sonidos de las fábricas, del campo... Como ya había mucho sonido, yo decidí hacer algo completamente visual. Me vino la idea del hilo musical y pensé en hacer algo con un hilo. Yo lo iba sujetando donde podía. También se me ocurrió medir el tren con mi cuerpo. Me tendía en el suelo, me levantaba, me ponía los pies donde antes tenía la cabeza y recorría así el tren. ¿Cómo reaccionaron los pasajeros? Muy bien. Si me tenía que subir arriba para colocar el hilo y no llegaba, me ayudaban. Participaron de una manera muy simpática. Ellos tenían que pasar a través del hilo y les divertía. El ambiente era de juego, de alegría, de estar bien juntos... John Cage siempre ha sido su referente. ¿Cómo le ha influido en su manera de abordar el arte? Lo que más me ha influido es la idea de silencio, el poder utilizar el silencio casi como una materia prima. También la manera de aproximarte al arte sin jerarquías, sin valores establecidos. Personalmente, yo le debo a Cage el haberme enseñado a escuchar los ruidos de este mundo. Después de conocerle, yo empecé a escuchar el mundo de una manera diferente. Tengo una anécdota que cuento siempre. La primera vez que me hicieron un escáner, que tuve que pasar por el túnel, yo iba con terror, pero cuando estaba dentro me acordé de Cage y me propuse escuchar el ruido del escáner como si fuera música. Me concentré tanto que me pareció que aquello había durado un segundo. En alguna ocasión ha dicho que hacer una ‘performance’ es como salir al ruedo sin capote. La 'performance' es lo más vulnerable del mundo. En el teatro estás protegido por la distancia, el decorado, el texto... Hay muchos elementos que en cierta manera protegen al actor. Si el público se aburre, se puede fijar en los decorados, los trajes, la música... Pero tal y como yo entiendo la ‘performance’, prácticamente todo lo tienes que poner tú. Estoy ahí a cuerpo descubierto. Nunca he sentido la necesidad de protegerme, a pesar de que hemos vivido escenas muy violentas... ¿Se refiere a Insultos o agresiones? En España no, pero en Estados Unidos sí. No había insultos, era una violencia más bien física. Yo era la más vulnerable del grupo. Siempre que algún espontáneo subía al escenario, yo era la pagana. Por ejemplo, durante una actuación en la que habíamos utilizada una cinta adhesiva, de repente subió al escenario una chica que estaba totalmente irritada. Yo tenía el pelo largo y empezó a envolverme con la cinta, igual que a una momia. Cuando terminó conmigo, iba a hacer lo mismo con Walter, pero el público empezó a molestarse porque querían ver nuestra propuesta, y no lo que hacía aquella chica. En un momento determinado subieron dos chicos y la sacaron de la sala. Imagínate el daño al despegar la cola que se me había quedado pegada en mi pelo... La ‘performance’ siempre ha estado bastante ligada a la polémica y a la provocación. Yo no he provocado nunca a nadie, creo que la gente se provoca sola. Si yo mido mi cuerpo, ya sea desnuda o vestida, y hay gente que se provoca, es su problema. Yo no he hecho obras para provocar, sino para protestar por algo. ¿Cree que la ‘performance’ se ha ido desvirtuando? Todo evoluciona, pero encuentro completamente estúpido que en el siglo XXI sigan haciendo lo mismo que nosotros hacíamos a principios de los 60. Cuando nosotros empezamos a hacer 'performances' nos tomaban por locos. En el diario 'El País' publicaron un artículo donde nos llamaban “los vagos del arte”... ¿Pero alguien sabe realmente qué es una 'performance'? Hay tantas definiciones como gente que la hace y gente que la ve. Para mí la 'performance' es el arte más libre. Ayer por la tarde participó en una mesa redonda donde se abordó la creatividad desde el arte y la ciencia. En su caso, usted ha solido encontrar inspiración en las matemáticas y la geometría. Para mí la creatividad está en todas partes, es como la música. Las proporciones, la perspectiva o la geometría siempre han estado presentes en el arte. Eso no lo he inventado yo. ¿Cómo surgió su famosa serie sobre los números primos? Quería salir de mi propia subjetividad. Un día soñé que nadaba en un mar de números. Al despertar, no sé por qué me acordé de los números primos, de la época en que iba al colegio. Me fui a una biblioteca y encontré listas de números primos. Así fue como empecé. El Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva en 2017. Cuando vio su obra reunida, ¿de que se sintió más orgullosa? Te podría citar muchas obras. En el caso de la 'performance', cuantas más variaciones me permite, más me interesa. En el terreno de lo plástico, destacaría la idea del tiempo, sobre la que he trabajado tanto con los 'Autorretratos'. O la instalación 'Pi', en la que me propuse trabajar la idea de infinito. Una cosa me ha llevado a la otra. Como diría mi madre, soy una toqui-toqui, toco de todo, hago todo lo que me despierta interés. Para mí el arte es una vía de conocimiento: tienes que aprender, leer, hablar con unos y otros... El día que el arte no me aporte eso, yo creo que no haré nada. Pero ese día aún no ha llegado... De momento no. Esther Ferrer Ruiz. San Sebastián, 1936. Comenzó su carrera como artista de ‘performances’ a mediados de los años 60, bien individualmente o formando parte del grupo ZAJ. A mediados de los 70 inició su actividad plástica con fotografías trabajadas, instalaciones, cuadros, objetos, etc. En 1999 fue una de los dos artistas que representaron a España en la Bienal de Venecia. En 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 2014 con el premio Velázquez. En 2017 el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva. Reside en París desde 1973.

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Esther Ferrer, artista: "John Cage me enseñó a escuchar el mundo de una manera diferente”

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