Diario de Navarra

Tomás Marco Aragón nació en Madrid en 1942, más de diez años después del grupo de compositores españoles que formaron la Generación del 51 y que introdujeron la vanguardia musical en este país, como Cristóbal Halffter (fallecido el pasado 23 de mayo), Luis de Pablo o Ramón Barce, entre otros. Pese a ello, Marco es uno de los grandes creadores y estudiosos de la música culta contemporánea, a la que ha dedicado toda su vida profesional y que ha compatibilizado con otros cargos como la dirección de la Orquesta y Coro Nacionales de España (1991-95), del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea o del Festival Internacional de Alicante en once ediciones. También ha sido consejero de la SGAE, director general del INAEM y, en diciembre de 2020, fue elegido director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la que era miembro numerario desde 1993. A sus 78 años, Marco ha firmado seis óperas, un ballet, diez sinfonías y un gran número de partituras de música coral y de cámara. No menos importante es su labor como ensayista, cuya última obra, Escuchar la música de los siglos XX y XXI (2017), es un repaso a la historia de la cultura desde el punto de vista musical. Ayer visitó Pamplona para impartir la charla Crítica de la razón sonora, en el Archivo General de Navarra, que cerraba el ciclo La filosofía suena, organizado por Jakiunde, la Academia de las Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco. ¿Qué relación hay entre música y filosofía? Cualquier reflexión acerca de la música se convierte en un tratado sobre la belleza, y la estética es una de las ramas principales de la filosofía. Pero además, la filosofía -que abarca cualquier concepto que tenga que ver con el conocimiento a través de sus diferentes ramas (ontología, metafísica...)- afecta a todo el arte y la música es una de las artes. ¿Cómo ha evolucionado a lo largo del tiempo esta relación? Viene de muy antiguo, desde la época de los griegos, que crearon las notas musicales y generaron mucho pensamiento en torno a la música. Las notas musicales llegaron a convertirse en sagradas pero, con el paso del tiempo, se ampliaron y también se amplió el concepto de música y el de instrumento musical. Ahora cualquier objeto posible puede ser convertido en instrumento, y hemos vuelto de algún modo al punto inicial, al de la prehistoria. ¿Qué otras consideraciones filosóficas podría hacer sobre la música? La música es un arte en el tiempo, pero también en el espacio. Y ahí entra en juego el concepto de arquitectura sonora. Hay composiciones musicales basadas en las mismas matemáticas que obras arquitectónicas, pero el problema filosófico es que aunque en ambas obras la estructura sea la misma, la obra arquitectónica no puede escucharse porque los materiales con los que se construye son diferentes. ¿Los ruidos pueden considerarse música? Sí, claro. La relación entre ambos sonidos tiene que ver con la pertinencia. El sonido de una moto mientras estoy echando la siesta es un ruido espantoso; pero si estoy en el circuito de Cheste cobra una dimensión totalmente diferente. Cuando un ruido es pertinente puede convertirse en música. ¿Cuál es la diferencia entre arte musical y arte sónico? Algunos músicos de vanguardia pretenden componer un arte sónico que sea totalmente distinto de la música, pero esto no tiene sentido. El arte sónico es distinto, pero es música al fin y al cabo. Es como el videoarte y el cine. Ambos son arte cinematográfico. ¿Por qué en este país hay tanto desconocimiento de la música culta contemporánea? Pienso que por dos motivos fundamentales. Por un lado, la mala enseñanza a lo largo de nuestra historia, que ha privilegiado unas artes sobre otras, en concreto, las literarias y pictóricas sobre las musicales o la danza. Y, por otro, a causa de una clase dirigente que dimitió de todas sus responsabilidades a partir de la Guerra de la Independencia, cuando desapareció la Ilustración. ¿Y qué factores influyen en la actualidad, según su opinión, para que esto no mejore? Las leyes educativas, que no son las que deberían ser; y la deriva de los medios de comunicación, en los que el ocio y el entretenimiento ha desplazado a la cultura. ¿Qué debemos hacer para combatirlo? Tomarnos en serio la educación y olvidarnos de la ‘titulitis’, que se preocupa más por obtener gente titulada que gente que sepa. Y también tenemos que aprender de otros países, no solo de los europeos, sino también, por ejemplo, de EE UU, cuyas universidades dan cien mil vueltas a las nuestras. Y a nivel particular, ¿qué podríamos hacer como ciudadanos? Primero, no tener prejuicios previos, lo quenos permitirá disfrutar de otro tipo de composiciones más allá de las clásicas. Y en segundo lugar, dedicarle tiempo y atención a esta música. Una persona puede ver 30 cuadros de Miró en 15 minutos y hacerse una idea, aunque sea muy general, de lo que es Miró. Sin embargo, con la música no es posible. Es necesario sentarse para escucharla. Y aparece, como decía Lope de Vega, ‘la cólera del español sentado’... [risas]. Cuando a un español lo sientas, se aburre enseguida. Si tuviera que resumir la historia de la música de los siglos XX y XXI, ¿cuáles serían los hitos principales? En la primera parte del siglo XX, fue fundamental la evolución de la armonía hacia la atonalidad, y también la revolución rítmica-métrica. La segunda parte del siglo XX se caracterizó por adquirir toda clase de sonidos que antes no se consideraban música. Y en la actualidad, la música se debate entre dos polos: el de la complejidad o el de la simplicidad, en todos los sentidos. ¿En qué estilo musical se enmarca usted? Lo importante para mí no es en qué corriente estoy o qué método practico, sino lo que quiero hacer en cada momento con mi obra. Por ejemplo, con la ópera Segismundo el reto era sintetizar la obra de Calderón La vida es sueño en una pieza de ópera de cámara. Sin embargo, en la de El caballero de la triste figura el problemón era resumir en hora y media una obra río como es Don Quijote. ¿Qué es para usted la buena música? La buena música tiene mucho que ver con la distancia temporal y el talento de los músicos. Muchos de los genios de la música fueron incomprendidos en su época... La misma técnica y la misma teoría resultaba o no en obras maestras dependiendo de quién las usara. Y aunque no es fácil determinarlo, creo que la buena música está hecha, en general, por un profesional que tiene la suficiente formación e información y es capaz de crear algo que no existe. ¿Cómo definiría usted la música? En mi discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando la definí como una manera de entender el mundo entre el pensamiento mágico y el pensamiento lógico, científico y racional. ¿Qué músicos son claves en la historia? A partir del Renacimiento: Monteverdi, Bach, Mozart y Beethoven. En el siglo XIX, Debussy. Y en el siglo XX, Stravinski y Schönberg. ¿Cuál es su primer recuerdo musical? Cuando tenía 3 años y vi bailar a los dantzaris en Ochagavía (de donde era mi abuela), en honor a la Virgen de Musquilda. OTROS DATOS BIOGRÁFICOS Lugar y fecha de nacimiento. Madrid, 12 de septiembre de 1942. Formación. Licenciado en Derecho, estudió violín, composición y amplió su formación musical en Francia y Alemania, donde recibió clases de Maderna, Boulez, Ligeti, Adorno y Stockhausen. Premios. Entre otros, en noviembre de 2002, recibió el Premio Nacional de Música de España al conjunto de su obra compositiva y, en 2003, el Premio de Música de la Comunidad de Madrid. En 2016 fue merecedor del Premio Tomás Luis de Victoria. Casado y sin hijos. Lleva más de 50 años con su mujer, Mª Rosa, a la que conoció en el movimiento Juventudes Musicales.

Diario de Navarra

"Disfrutar de la música contemporánea culta exige no tener prejuicios previos"

Es uno de los referentes de la creación y la investigación musical en este país. Este martes visitó Pamplona para cerrar el ciclo de conferencias ‘La filosofía suena’, organizado por la academia Jakiunde en el Archivo General de Navarra

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