Diario de Navarra

Son 65 menos que el año pasado, pero durante el Festival de San Sebastián se verán este año 143 películas. Ante este número inabarcable, es habitual entre la prensa y profesionales ver algunas previamente en casa, gracias a accesos online con contraseña. La de Imanol Rayo, no. Para ver 'Hil kanpaiak' se han organizado pases las semanas previas en cines de San Sebastián, Madrid o Bilbao, siempre en cines, porque ésta es una película para ver en pantalla grande. Incluso parte del reparto (en el que figuran Itzi-ar Ituño, Eneko Sagardoy o Yon González, entre otros) la vieron así, en una sesión en Bilbao, y cuando se volvieron a dar las luces de la sala aparecieron agarrados a la butaca, impactados con lo que habían visto. Basada en la novela de Miren Gorrotxategi '33 Ezkil', Imanol Rayo Barandiarán (Pamplona, 1984) utiliza una narrativa que no es la habitual para contar la historia de una familia que ve cómo saltan todas las costuras de sus cicatrices en el momento en el que un esqueleto aparece en los terrenos de su caserío. La película está rodada en euskera en Bera, Lesaka, Oiar-tzun, Hernani y Fuenterrabía. Rayo vuelve a dirigir así un largometraje casi una década después de 'Bi anai', la adaptación de la novela de Bernardo Atxaga con la que ganó el premio Zinemira en el festival donostiarra de 2011. ¿Cómo le sale una película tan pensada, tan reflexionada, de su día a día con dos niños pequeños, el trabajo, el ajetreo diario...? Para mí lo del cine es algo puramente vocacional. Lo hago con una perspectiva y una forma de ver, con una forma muy medida a la hora de hacerla para que luego perdure. Puede sonar algo pedante, pero yo creo que es importante el famoso escrutinio del tiempo. Las películas tienen que envejecer bien. ¿Y cómo se logra? Va relacionado con la forma en que se hace. En este caso la cámara se mueve poco, no hay riesgos estéticos gratuitos o efímeros de las que te puedas arrepentir en dos días. No es un deseo conservador, sino atemporal. Yo creo que el cine tiene que ser transgresor e iconoclasta, pero para mí la clave está en volver a la raíz, que tenga ese elemento inicial, que en este caso ha sido volver a esa imagen remitida a los orígenes del cine. En esta película hasta las gallinas o los helechos están contando la historia... La escenografía, el escenario, el lugar es clave en la película. El género habitualmente parte de supuestos muy conocidos, de lugares con brumas, cosas así. Incluso personajes arquetípicos. En este caso lo interesante es marcar ciertos lugares concretos, estamos fragmentando, limitando el espacio, para que se vuelvan a repetir luego como leit motiv. No tanto el escenario como también el encuadre. La película avanza mediante continuos saltos temporales y las huellas que el tiempo deja en los lugares es clave, va muy unido al sentido de tragedia. Los personajes llevan un determinado camino, pero los lugares están ahí como si hubieran estado siempre. La cámara no juzga a los personajes. Unos lugares en los que además se mezclan presente y pasado, ¿como si el presente arrastrara el pasado? Sí. La atemporalidad es el ser principal de la película. En ese sentido lo que tenía la novela por una parte y la película también, son piezas sueltas que conforman una unidad. Ese tratamiento es importante para que no sea la forma clásica de narración, de flashbacks, de nos vamos atrás, ahora adelante; sino que conforme un presente continuo. Si el rodaje fuera la superficie del iceberg, ¿cómo sería la parte que hay bajo el agua? Ahí, al nivel de la preparación está la adaptación, el enfoque, la preparación propia de cómo se va a hacer. El factor económico es importante. Esta película tiene un gran cómplice: ha contado con los medios suficientes para poder llevarse a cabo. Todos los interiores del caserío, por ejemplo, son decorados construidos. Era crucial que fuera así. Hay cierta filosofía casi oteiziana, de contar a través de lo que no se ve, lo que está fuera de campo, los silencios, elipsis... Sí, al final los adjetivos son bienvenidos pero me parece clave lo que se ve y lo que no se ve. Hay cosas que se deben contar, o a lo mejor es mejor no mostrarlo sino escucharlo mediante la metonimia, vemos algo pero la información viene por otras claves o mediante otras formas. Mostramos espacios limitados en los que entre un espacio y otro hay algo, hay un hueco que el espectador tiene que completar. La película la tiene que completar el espectador claramente. Mantener una imagen en la que aparentemente no ocurre nada mientras el sonido nos descubre algo revelador me parece muy interesante. ¿Apostar por el silencio en estos momentos de sobreinformación no es casi subversivo? En este caso el texto es descaradamente barroco, vamos todo el rato de aquí para allá, muchos personajes, es una película que se mueve mucho internamente. Es importante enfocar los espacios de silencio, para que toda la película no fuera un batiburrillo. Yo creo que ha sido clave la música de Fernando Velázquez, que está condensada en momentos muy concretos, de forma muy meditada, para que haya un relevo de espacios llenos - espacios vacíos en la película. Y luego está precisamente el enfoque musical, un poco telúrico, con esos coros que dan un aire de perpetuidad, que trascienden los hechos de la película y van un poco por encima, como la función que tenía el coro en las tragedias griegas. Muchos actores suelen decir que los directores les machacan para sacar lo mejor de ellos, pero usted en el rodaje es silencioso, tranquilo, como si llegara con la tarea hecha. Para mí es algo importante saber dónde voy y con qué me voy a encontrar. También es la manera de afrontar luego hipotéticos problemas. Decía Hitchcock: “Bueno, ya tengo la película en la mente, sólo me falta filmarla”. Realmente eso es una boutade, porque al final tú puedes controlar ciertas cosas pero el azar es impredecible. Es importante acotar qué es lo que vas a llevar a cabo pero también hay que estar abierto. Hemos enfocado el trabajo de una forma muy clara, muy precisa, con todos los departamentos en general. Sabíamos a lo que íbamos. ¿Cuándo le picó el cine? Ha sido un proceso gradual. Desde pequeño tengo como todo el mundo unos referentes infantiles y poco a poco vas incorporando otros, eso va enriqueciéndose y al final acabas aquí. Además trabaja en los Golem, ¿eso le ha dado oportunidad de ver más cine o en casa del herrero cuchara de palo? ¡Nooo! Yo soy muy ecléctico como espectador pero sí es cierto que tengo tendencia a cierto tipo de autor. En ese sentido Golem ha llevado un catálogo siempre bastante selecto. Yo me acuerdo que en la adolescencia era un lujo tener eso aquí, una distribuidora a nivel nacional que tenía estas películas y que encima tenía la sede en Pamplona. Siempre lo hemos disfrutado, ha habido muchos ciclos desde siempre, los cines Yamaguchi siempre han sido un referente de cine de autor. ¿Es optimista? Parece que la covid es un obstáculo más para un sector que ya estaba tocado. Cambia todo tan vertiginosamente que no sabes cómo va a evolucionar. Al final es algo extrapolable al resto de la sociedad. Teniendo en cuenta que culturalmente el trato que España tiene a la cultura da un poco de pena. Hay que confiar en que las cosas vayan a bien. 'Hil kanpaiak', desde luego, está hecha para experimentarla en pantalla grande. Sí, es algo a reivindicar ahora más que nunca. El cine como lugar donde ver las películas. Yo a la hora de hacer una película siempre pienso en el cine como escenario. Nosotros rodamos con una óptica muy concreta para la que solo se puede apreciar sus virtudes en una sala de cine, por un tema de perspectiva y de proporcionalidad. Es donde se aprecia bien. Sabemos que tarde o temprano esto va a desembocar en la televisión de tu casa, pero yo creo que el cine es insustituible por las condiciones y la experiencia. ¿Depende de cómo vaya en el Zinemaldi que tarde más o menos en hacer la siguiente? Estoy con un proyecto que tengo intención de sacar el año que viene y lo tengo bastante avanzado. También es cierto que lo he realizado un poco por mi cuenta y riesgo, no tiene un sentido presupuestario o industrial importante. No sé cuánto tiempo tardará. La clave también es meditar un poco los proyectos, por qué salen y adónde van, cuáles son las motivaciones, y qué vienen a hacer.

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“El cine tiene que ser transgresor, pero la clave está en volver a la raíz del cine”

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