Diario de Navarra

Antonio Simón (L’Hospitalet de Llobregat, 1962) leyó por primera Esperando a Godot, la obra del dramaturgo irlandés Samuel Beckett, en Bachillerato, con 16 años. No entendió nada. “Fue una de las primeras obras de teatro que leí y, aunque no entendí absolutamente nada, me fascinó. Es curioso que la fascinación que produce esta obra siga pasando en personas jóvenes que se están iniciando en la lectura teatral, como he podido ver en algún taller, aunque probablemente no la entiendan”. Cuarenta años después la ha podido dirigir, contando con los actores “y poetas” Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Fernando Albizu, Juan Díaz y Jesús Lavi. Publicada en 1952 y estrenada al año siguiente en París, en la espera esperanzada la fuerza, el humor, la poesía, la ternura, el dolor y la risa son metáfora de la vulnerabilidad y el coraje del ser humano, vigentes hoy. La agenda de Antonio Simón para los próximos días es intensa. Esta mañana participa en un encuentro con creadores, por la noche se representará Esperando a Godot y de mañana al miércoles dirigirá un seminario. De fascinarle con 16 años a pasar otros 40 para que la haya podido dirigir en un escenario. Es de esos proyectos que decía “alguna vez la haré”. Pero para eso tenía que entender la obra, no desde el punto de vista lógico, sino desde el punto de vista experiencial mío. Y hacía falta además encontrar una producción y unos actores, que creía que debían ser muy especiales para poder llevar a cabo el espectáculo. Su trabajo es brutal: aparte de que son excelentes actores, son poetas, capaces de transmitir una poesía, y era fundamental. En cuanto a la producción, tardó mucho tiempo en que llegara a buen puerto, y no hubiera sido posible sin la complicidad y el apoyo desde el inicio de Pentación y de Jesús Cimarro: salieron muchos intentos de coproducción, algún teatro público dijo que sí y luego que no... y al final Pentación tiró para adelante. Tras el impasse por el confinamiento, Esperando a Godot vuelve a los escenarios en Olite. ¿Lo viven como un reestreno? Volvemos a la vida en el escenario en Olite, tras casi cinco meses, con lo cual podríamos decir que es un reestreno. Si además sumamos que esta primera actuación se realiza en un espacio tan mágico, al aire libre, con todo lo que implica, hay suficientes elementos como para poder decir que realmente es casi un estreno. ¿Va a cambiar algo? No tanto por la forma de actuar, por el contacto físico, por ejemplo, sino por si en las charlas con el equipo ha notado que han cambiado. Pues es muy probable que haya no solo algún cambio motivado por el tema del contacto, por ejemplo, sino que la vivencia de todos, esa espera que hemos tenido a salir del confinamiento, va a conectar con esta obra tan universal y que habla de tantos temas: Godot simbolizado no en la cura de la enfermedad pero sí en poder volver a esto que llaman ahora la nueva normalidad. Y seguro que la obra va a estar de alguna manera impregnada de eso: en el fondo, escrita hace más de 70 años, es universal porque precisamente está tratando y hablando de la espera, y esa espera como condición de lo humano se puede aplicar a muchas situaciones y momentos. Escuché el lunes en la radio a Irene Arcos, protagonista de Antígona [la obra inauguró el Festival de Mérida], que la noche anterior el equipo se subió por primera vez al escenario y no dejaron de abrazarse, algunos de llorar, por la emoción que les produjo. Y cuando estemos en La Cava va a haber también mucha emoción: por cuestiones personales, por lo difícil que ha sido para todo el mundo y por el hecho de volver al escenario, en estos momentos además en que la gente del teatro nos estamos sintiendo no bien tratadas. No acabamos de entender, por ejemplo, por qué ahora en Barcelona se ha suspendido el Festival Grec cuando se respetan las medidas de seguridad y, en cambio, en un autobús o en el metro no se guarda ningún tipo de distancia y van a tope. Volver al escenario es realmente coger otra vez vida. De manera que tiene mucho que ver esa pregunta que quiere plantear en el seminario: “¿Para qué hacemos teatro?” Sí. En un inicio el festival me pidió que fuera un escenario de training actoral, muy práctico, pero, tras la situación de la Covid-19, había que limitar el tema de contactos. Y se me ocurrió una idea que ha flotado durante este tiempo del confinamiento: si el teatro es importante porque es útil, necesario, ¿para qué hacemos teatro? Será una de las preguntas que se formulen en el seminario, que no pretende ser una reflexión filosófica sino un seminario de reflexión y práctica en el que los participantes puedan formularse esa pregunta y aplicarlo a su trabajo de actor, dramaturgo o director. Cualquier espectáculo debe tener un para qué y ese para qué debe estar anclado en las necesidades vitales, emocionales, espirituales, del público de hoy. ¿Y usted tiene respuesta? [ríe] No tengo una respuesta única. Sí una respuesta que podríamos llamar funcional: cualquier espectáculo que hagas debe permitir que el público se acople a eso. Un texto habla de alguna problemática de la condición humana y a los directores y directoras nos toca desvelar, hacer aflorar, ponerlo en evidencia, de una manera física, sensorial, emocional, para que el público conecte con eso. Creo que esa es la necesidad del teatro. No sé si hay un para qué en concreto, pero sí que hay una actitud de ese para qué. Vamos con Esperando a Godot. ¿Quién es Godot? [ríe] Es la gran pregunta a la que Beckett se negó a responder. Godot es muchas cosas, pero, en definitiva, es sobre todo lo que nosotros queramos que sea. En realidad, uno de los motores de nuestro montaje fue cuántas veces en nuestras vidas hacemos Godot de personajes muy mediocres que nos manipulan. Es una de las lecturas que hemos querido hacer de la obra: la necesidad que tenemos de poner esperanza y espera de nuestras vidas, aunque sea una esperanza desesperanzada, equivocando la diana a veces. Y hacer grandes a personajes mediocres es una de las cosas que pasan hoy. ¿Cómo nos iría de no hacerlo? Mejor. Seríamos mucho más responsables de nuestros actos y decisiones. Habría más pensamiento y actitud crítica, aunque, probablemente, eso también tendría un precio, quizá más angustia, más ansiedad. Pero, en definitiva, es el precio de la libertad, y es el miedo a la libertad lo que nos hace tener que depositar esperanzas en personajes tan tremendos como muchos de los que hoy gobiernan el mundo. Beckett dejó marcadas las pautas de interpretación de la obra, como si fuera una partitura. Era una persona de una precisión brutal y hay muchísimas didascalías y acotaciones. Hemos respetado la mayoría pero no todas porque son de hace 70 años. Hay mucho respeto por la obra, pero sin caer en dogmatismos. ¿De ahí la mayor introducción del humor por su parte? Bueno, ese humor es de Beckett, que definió como “horriblemente cómica” [ríe]. Creo que en esas dos palabras, horrible y cómico, está la obra. Podríamos decir que es una tragicomedia, pero es que tiene un sentido del humor a veces muy negro y muy tierno: hay un tratamiento de los personajes un poco inspirado en el mundo de los grandes actores y personajes del cine mudo, como El Gordo y el Flaco, Chaplin, Keaton... Sorprende que utilizando mucho palabras como nada, nadie y vacío haya humor. Claro. Una cosa son las palabras y otra, la situación que hace que se digan esas palabras, cómo se dicen en un determinado contexto. La obra está escrita después de la hecatombe que supuso la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto. ¿Y con qué nos conecta hoy? Aquí surge el humor que hay en sí mismo pero también un cierto humor negro con el que, de alguna manera, los personajes se toman la vida, ya que es un puente de salvación. Una obra en la que en apariencia no ocurre nada... No ocurre nada en el sentido del argumento: dos personajes que están esperando y reciben una visita. Pero no paran de ocurrir cosas entre ellos. Hay mínima acción en el sentido de argumento, de historia, pero sí a nivel emocional, de conflictos y juegos entre ellos. Porque a veces que pase el tiempo pesa mucho. Y no es lo mismo esperar solo que esperar acompañado... Claro, es una de las claves de la obra, una obra sobre parejas, la de Vladimir y Estragón por un lado y la de Pozzo y Lucky por otra, parejas muy diferentes pero que se ayudan a vivir, sobre todo Vladimir y Estragón, que se conocen desde hace 50 años. Compartir con el otro, incluso los conflictos, te da la vida [ríe]. ¿Cómo salir de una espera esperanzada que no llega a nada? Creo que la esperanza es más una actitud interna. En el momento en que lo pones en lo externo pueden venir los problemas. Cuando no acabas dependiendo de lo externo sino de una actitud interna, aunque sea realista -porque estos no son personajes que vivan en la fantasía, sino que tienen muy claro lo difícil, complicado y duro de su situación-, te permite que el motorcito de la vida siga. No entendió la obra con 16 años. ¿En qué momento lo hizo? Si te soy sincero, creo que justo ahora he conseguido darle una coherencia. Fue un pase unos días antes de estrenar. Poco a poco me fui dando cuenta de que podía encontrar lógicas y que en realidad estamos más cerca de la vida en Esperando a Godot que en muchas obras que se pretenden realistas. Fue fundamental el trabajo y la colaboración de los actores. Una cosa es que tuviera claro cómo quería hacer el montaje y entendiese el mundo de la obra, pero en la primera lectura los actores me preguntaban y yo les respondía que había cosas que aún no entendía, pero que estaba convencido de que había una lógica. Al final la fui encontrando. Actores, dramaturgos, directores, desean que sus obras hagan reflexionar al público. ¿Qué se ha llevado usted de esta? Que todos tuviéramos claro desde el inicio la necesidad de encontrar en tanta tragedia el humor y algo positivo, luz, para darle eso al público. Es una de las cosas que últimamente más me interesan. Hay una metáfora de un escritor francés, Didi-Huberman, que dice que, en esta oscuridad en la que estamos, si somos pequeñas luciérnagas, damos una luz que puede ayudar mucho. Creo que es una de las cosas que los actores y yo tratamos de trasladar y uno de los motivos por los que el público se acopla al espectáculo y lo disfruta, aunque tenga momentos duros. CLAVES Representación. Hoy, 24 de julio. La Cava. 22 horas. Entradas agotadas. Reparto: Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi. Dirección: Antonio Simón. Diseño de escenografía: Paco Azorín. Diseño e iluminación: Pedro Yagüe. Vestuario: Ana Llena. Espacio sonoro: Lucas Ariel Vallejos. Ayudante de dirección: Gerard Iravedra. Productor: Jesús Cimarro. Producción: Pentación Espectáculos. Sinopsis de la obra. Vladimir y Estragón esperan la llegada de Godot junto a un camino, al lado de un árbol. Pasan el tiempo conversando y a veces discutiendo. Les interrumpe la llegada de Pozzo, un hombre cruel que afirma ser el dueño de la tierra donde se encuentran y que lleva atado del cuello a su criado, Lucky, a quien parece controlar por medio de una larga cuerda. Tras la partida de Pozzo y Lucky, un Muchacho llega con un mensaje de Godot: “Aparentemente, no vendrá hoy, pero vendrá mañana por la tarde”. Antonio Simón, director de 'Esperando a Godot'.

Diario de Navarra

Antonio Simón: “Volver al escenario es coger vida otra vez”

El dramaturgo irlandés Samuel Beckett plasmó en ‘Esperando a Godot’ la vulnerabilidad y el coraje del ser humano en una espera esperanzada que hoy siguen vigentes. Antonio Simón dirige esta obra 40 años después de que, siendo un bachiller, su lectura le fascinara.

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