Diario de Navarra

El cineasta experimental Robert Beavers (Brookline, Massachusetts, 1949) habla bajito. Literalmente. Cuenta que, cuando le hicieron su primera entrevista, a la edad de 18 años, el periodista que habló con él no pudo sacar nada en claro de su grabadora. Su cine, como su voz, es igualmente indirecto, no pretende contar las historias, sino “evocarlas”, lo que no quiere decir que no sea un cineasta apasionado. De hecho, Beavers abandonó el instituto antes de graduarse para mudarse a Nueva York, donde comenzó su carrera como director. Vivió en la Gran Manzana hasta 1967, año en el que él y su compañero y mentor Gregory Markopoulos abandonaron los Estados Unidos por Europa, donde seguirían viviendo y haciendo películas hasta la muerte de Markopoulos en 1992. En los últimos años, Beavers se ha dedicado a la reedición de su obra filmográfica y al rodaje de nuevas películas, en su mayoría cortometrajes. Según el propio cineasta, en sus últimos filmes, Beavers ha querido acercarse al tema de la ancianidad para “saludar a la muerte”. Esta es su primera vez en Punto de Vista. ¿Había oído hablar del festival? Algunas de mis películas se mostraron el año pasado, así que algo había oído sobre el festival. Ahora que he venido me he sorprendido mucho con lo que el equipo de Punto de Vista está consiguiendo, por ejemplo con el libro que se editó el año pasado en relación a los directores que estuvimos presentes. La muestra anual de cine que organizó en los años ochenta con su mentor, Gregory Markopoulos, llevaba el nombre de Temenos. Esta palabra griega se refiere a un lugar reservado al culto de un dios. ¿Quiénes son sus dioses cinematográficos? No sé si puedo usar la palabra dioses, tal vez sea mejor reservala para otro nivel de conversación. Dicho esto, por supuesto que tuve un aprendizaje, hace ya mucho tiempo, por el que me siento muy afortunado. Por ejemplo, cuando pienso en puntos de inspiración y ánimo para mi trabajo, me viene a la cabeza el cine mudo por dos cosas, por su forma de comunicar a través de la imagen, y por su forma de idealizar al ser humano a través del rostro. Para algunos, esto último puede parecer cómico o patético, pero es increíble lo que consiguen algunos directores de la etapa muda. ¿Cómo cuáles? Hay muchos ejemplos interesantes: Carl Theodor Dreyer, D.W. Griffith, Vladimir Petrov, Dimitri Kirsanoff, Erich von Stroheim... ¿Cuáles son los grandes temas de su cine? Han cambiado con el paso de los años y lógicamente se han visto influidos por el zeitgeist de cada época. En mis inicios, cuando era muy joven y aún vivía en Nueva York, las ideas de Jung tenían una gran influencia. Me asocié con algunos directores de mi entorno para hablar sobre una psicología profunda, ocupándonos también de la historia de la imagen, de la pintura, y de su relación con el mito. No sé cuánto de eso pertenecía a mi propio carácter, al ambiente que me rodeaba o a mis maestros. ¿Y pasados los primeros años de juventud? En esos años, ya en Europa, hice una serie de películas en Italia y me interesé mucho por el espacio arquitectónico en relación con el espacio cinematográfico. Sigo muy agradecido por haber podido vivir en ciertos sitios como Florencia. También me fasciné por el tiempo narrativo y los elementos espaciales y traté de presentar indirectamente el espíritu de escritores o artistas, no en forma de documental, sino con un espíritu evocador. Lo hice con los poemas de John Ruskin y con los cuadernos de Leonardo da Vinci. ¿Y más recientemente? Las películas que estoy presentando en Punto de Vista son retratos de alguna manera. En los últimos años he vivido un tiempo como vagabundo o como un huésped en casas de otros, por decirlo de una forma más agradable, y las películas que estoy presentando se han rodado en esos sitios en los que he vivido pero que no me pertenecen. Son espacios íntimos de los que saco un retrato del individuo. ¿Como en Pitcher of colored light? En efecto, esa película es un retrato muy íntimo de mi madre. También supuso mi vuelta a Estados Unidos desde la primera película que dirigí, a los 17 años. Antes de Pitcher of colored light, había hecho películas en localizaciones extraordinarias, pero quise rodar en el pequeño rancho de mi madre con la misma mirada con que había filmado la fantástica arquitectura de lugares como Venecia. ¿Tienen algo en común las películas que presenta al festival? Las cinco hablan de un saludo a la mortalidad porque están protagonizadas por personas bastante ancianas. En 2007, cuando filmé Pitcher of colored light, mi madre ya tenía más de ochenta años. Por otro lado, la pareja suiza que aparece en Der klang, die welt (2010) tenía más de noventa años. No se trataba simplemente de filmar la edad, sino que lo que más me interesaba era observar cómo se renueva el ser humano: mi madre cuidando su jardín y Dieter Staehelin practicando su música en el piano. En una entrevista dijo que el rodaje de The Suppliant fue muy espontáneo. ¿Qué importancia tiene en su cine la inspiración inmediata? Una de mis características como director, y esto es algo que lleva cierta disciplina, es que me permito hacer cambios significativos hasta el último momento del rodaje. Si te tomas esto en serio, acabas haciendo cine de una forma muy distinta a la habitual. ¿Qués es más importante en una película, el intelecto o la emoción? Un importante poeta americano dijo que “si hay un alto nivel de inteligencia, también hay un alto nivel de emoción”. A sus setenta años, ¿piensa en retirarse? No me lo puedo permitir [risas]. ¿En este punto, cómo resumiría su carrera? ¿Qué legado deja a los directores más jóvenes? Siempre he trabajado por una cierta honestidad a través de la economía. Mi cine es muy pobre en términos de presupuesto, pero tiene una cierta libertad. Aunque la libertad, también puede ser a veces una quimera. En cuanto a lo del legado, menuda palabra. En mi carrera, he conocido a directores muy prometedores con los que tengo el placer de seguir en contacto. Creo que mi legado puede ser recordarles a esos directores que están empezando que es difícil seguir adelante en esta profesión, pero, al mismo tiempo, animarles a que continúen. ¿Qué influencia tuvo su mentor, Gregory Markopoulos, en su vida y en su cine? Gregory fue quien me dijo “puedes hacerlo”, algo que para mí era muy importante. Además, era un maestro en ciertas formas de cine. Ambos somos, por así llamarla, directores de rama helenística porque tenemos una gran preocupación por la forma. Su trabajo debería verse más.

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Robert Beavers: “Mi cine es pobre en el presupuesto, pero libre”

El director Robert Beavers asiste por primera vez al festival Punto de Vista, en el que este miércoles (a las 20.00 en la Sala Corona de Baluarte) se muestran sus últimos trabajos. En ellos, el realizador americano filma la tercera edad y se admira de “cómo se renueva el ser humano”

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