Diario de Navarra

La agenda de Alfredo Sanzol (Pamplona, 1972) es reflejo del “mucho jaleo” en el que lleva inmerso las últimas semanas. Desde enero compaginando su trabajo de dramaturgo y director de teatro con la dirección del Centro Dramático Nacional (CDN), acaba de presentar la programación de la nueva temporada, hasta junio del año que viene, en la que se unen espectáculos nuevos y aquellos que la pandemia obligó a aplazar y que, a raíz de esta, han cobrado nuevo significado y permiten agrupas unas y otras por temáticas: la función de protección del Estado que, sin embargo puede convertirse en la maquinaria más destructiva que existe; la memoria del cuerpo y las historias olvidadas y recordadas ahora para devolverles dignidad; nuestra identidad... A pesar del jaleo, Sanzol dice está “bien, muy contento” -“es un trabajo por el que tenemos tanta ilusión, un trabajo tan lleno de riqueza, que estamos muy bien”-, y ya recuperado de la covid de la que se contagió en marzo. “El 1 de abril ya estaba escribiendo, pero la recuperación ha sido larguísima, y el mes de agosto que estuve de vacaciones lo fue tratando de volver al tono físico que tenía”, cuenta en una entrevista telefónica desde Madrid. En la programación del CDN su nombre aparece en dos ocasiones: porque va a dirigir el Macbeth que Gerardo Vera, fallecido a mediados de septiembre, iba a llevar al escenario y porque de febrero a abril se representará la obra que ha escrito y va a dirigir, El bar que se tragó a todos los españoles. El color amarillo está prohibido sobre las tablas y llega el Centro Dramático Nacional y confecciona el cartel de la nueva programación en este color. ¿Quieren desafiar a alguien o a algo? No se trata de un desafío, sino de un llamamiento a lo racional contra todo lo que tiene que ver con la superstición y el prejuicio. Estamos en un momento en el que socialmente debemos ser especialmente racionales y estar especialmente atentos a supersticiones, prejuicios, fake news, rumores... y el uso del amarillo reivindica eso, que el amarillo es un color más, y muy chulo porque se ve muy bien. Y un amarillo llamativo además... Tenemos muchas ganas del amarillo [ríe]. Una mujer protagoniza el cartel. ¿Tiene lectura? Sí. Es una reivindicación precisamente de lo que es: una mujer mayor, que va con nuestra línea de programación. Es la actriz Lola Cordón, que estaba esta temporada [la anterior, y se ha reprogramado esta] con la obra Verano en diciembre y la compañía La Belloch, que dirige Carolina África. Lola Cordón es una actriz y mujer maravillosa y nos ha parecido que, por la época en la que estamos viviendo en la que nuestros mayores están siendo principales víctimas de esta pandemia, es referente, representante. De esta manera rendimos homenaje a esa generación y la reivindicamos como símbolo de lucha. Le lanzo interrogantes. ¿Es solo admiración?, ¿trans?, ¿hablamos?, ¿habrá escapatoria?, ¿enamorarse de un hombre 20 años menor?, ¿repetimos la historia?, ¿da una vida para tener dos vidas?... y así hasta 22 preguntas ‘cabecera’ que han insertada en cada obra que programa el CDN. ¿Por qué? Siempre se ha dicho, y es algo con lo que estoy de acuerdo, que el teatro es el lugar en el que hacemos preguntas, y nos pareció llamativo usarlo de manera explícita. Creemos además que son sugerentes y pueden resultar atractivas para el público. ¿Pueden tener respuesta a lo largo de la temporada? Bueno, las preguntas a veces tienen respuestas y a veces no [se le nota sonreír al otro lado del teléfono]. Sí creo es que es necesario sostener las preguntas: hay preguntas que el ser humano se plantea desde hace miles de años que no tienen respuesta pero que siguen generando intentos de respuesta muy necesarios para vivir. ¿Es este mejor momento para esas preguntas que el teatro siempre ha lanzado? Seguro. En los momentos de crisis, las preguntas son esenciales para poder enfrentarse a ellas, y el teatro cubre una función muy importante a la hora de dar forma de ficción al caos de la realidad. Ahí sigue estando nuestro trabajo de una manera muy intensa. La programación estaba diseñada antes de la pandemia. ¿Ha adquirido otro significado a partir de ella? Las obras están agrupadas por temáticas que parecen surgidas de esta situación. Evidentemente, la pandemia ha hecho que miremos la realidad desde otra perspectiva, y eso incluye también la programación. El equipo y yo hemos descubierto en ella unos significados muy conectados con la realidad que estamos viviendo. Por eso en la carta de presentación digo que muchas veces parece que el arte se adelanta al tiempo. Y no se trata de que tenga dotes adivinatorias, sino que se refiere a los conflictos y a las cuestiones que todavía no son conscientes. En estas obras que ya estaban programadas, al mirarlas con los ojos que la realidad te impone, porque nadie ha elegido esto y ha sido una imposición para todos, de repente descubres en esas obras unos mensajes y unas temáticas que se hacen especialmente sensibles. CADA QUINCE DÍAS Me ha nombrado la palabra imposición. ¿Recuerda qué sintió cuando se decretó el estado de alarma que suponía, entre miles de cosas, cerrar los teatros? Aquel sábado fue muy duro. No sé si recuerdas que pensamos que a lo mejor volvía todo a la normalidad en quince días, y así hemos pasado el cierre de los teatros: creyendo que a los quince días íbamos a volver, que a los siguientes quince días íbamos a volver... De hecho, estábamos preparados para volver a los siguientes quince días, incluso cuando se veía que no iba a ser posible. Ha sido muy estresante por estar preparados para el por si acaso. Eso pensaba, que ha tenido que ser emocionalmente muy fatigoso también... Sí. Ha sido una fatiga que hemos llevado con toda responsabilidad y con todo el amor, pero fatiga, sí. ¿Y recuerda qué sintió cuando se anunció que ya se podían empezar a abrir los teatros? Perfectamente. El recuerdo comienza en el momento en que se pudo empezar a subir a los escenarios para ensayar y para hacer streaming. Eso ya fue mucho, una alegría muy grande. Ahí ya recuerdo que fue una liberación y vimos la luz. Lo siguiente que esperábamos era lo del público, que fue llegando por goteo, respecto a la normativa, ya que los teatros dependíamos mucho de tener el visto bueno de los departamentos de prevención y salud. En nuestro caso la entrada del público ha sido en septiembre. ¿Ha ido al teatro como espectador? [ríe] Mucho, mucho, en cuanto se pudo. Mammón fue la primera obra que fui a ver, en los Teatros del Canal, antes del verano. ¿Y cómo lo vivió? Fue un poco raro ver las butacas de separación, estar con la mascarilla... Pero en cuanto se apagaron las luces y comenzó la función, me olvidé de todo. ¿Qué está aprendiendo de esta situación? Seguro que muchas cosas, pero sabré cuáles dentro de dos años [ríe]. Ahora lo que estoy haciendo es trabajar muchísimo cada día para que todo vaya bien. Estamos aprendiendo resistencia. ¿A qué? Resistir a la situación. Mantener el ritmo de trabajo. Y el ánimo. ¿Resistir también a supersticiones, fake news, irracionalidad...? Eso, aparte [ríe]. Pero en el día a día, sí: mantener el ritmo a pesar de las condiciones en las que estamos. Los teatros estuvieron cerrados y ahora están abiertos pero no llenos. Nosotros estamos al 75% máximo de ocupación, que se reduce un poco por las butacas que tenemos de separación. En esta situación, ¿qué le espera al teatro? Espero que todo lo bueno en un futuro próximo. Y a corto plazo le espera resistir y reclamar al Estado el apoyo al que tiene derecho. En la carta de presentación de la programación escribe que pretende “mantener activa a la profesión y vivo el vínculo con nuestro público”. ¿Ha existido, existe o puede existir riesgo de que ese vínculo muera? [Lo piensa unos segundos] Como cualquier relación personal, hay que mantenerla viva, regarla. No podemos dejar de cuidarla. “Gerardo confió en mí cuando empecé” Uno de los textos que acompañan a cada obra lo firma Gerardo Vera porque iba a dirigir Macbeth [falleció el 20 de septiembre]. En él le daba a usted la bienvenida en su nueva andadura, “llena de buenos augurios y de luz en medio de la oscuridad de estos tiempos tan inciertos”. Quién le iba a decir a usted cuando vio ese texto qué estaría haciendo ahora... Sí... La pérdida de Gerardo ha sido un momento muy duro para todos. Para mí, fue una persona muy importante: confió en mí cuando estaba empezando como autor y como director. Fue la primera persona que me hizo un encargo profesional, del que salió Sí, pero no lo soy, y a partir de eso empecé a trabajar de manera habitual. Asumir la dirección del Macbeth que estaba preparando es una responsabilidad grande pero que asumo como un regalo y como la mejor oportunidad de hacerle un gran homenaje. Él ya tenía diseñada la puesta en escena. ¿Se atreve a tocar algo? Estaba hecha la escenografía, el inicio de la música, el reparto y todo el equipo artístico. Dejó muchos apuntes y notas. Todo lo que estaba hecho lo mantenemos. Ahora estoy con la dirección del espectáculo, contar la historia con los actores. Hemos empezado a ensayar este martes y está todo el equipo muy comprometido con hacer un gran espectáculo a modo de homenaje. Gerardo está muy presente todo el rato. El hombre que no contó a sus hijos que fue cura Y cuando acaben las funciones de Macbeth, su obra, El bar que se tragó a todos los españoles. Que ya está escrita y bastante avanzada. Teníamos que haberla llevado al teatro este otoño, pero, con los retrasos y suspensiones, la llevamos a febrero del año que viene. Están preparados la escenografía, el texto, el reparto y el equipo artístico, y nos pondremos a ensayar el 15 de diciembre. Regresa a un episodio autobiográfico, la parte de la historia de su padre que nunca les contó. Nos decía que cuando fuéramos mayores debía contarnos algo muy importante, pero nunca llegamos a hablar de que fue sacerdote, se salió en el año 63, como muchos miles de sacerdotes en España y en todo el mundo porque [tras el Concilio Vaticano II] empezaron a darse dispensas con mayor facilidad. Esta obra es una especie de reivindicación de esa memoria e historia que por las condiciones sociales del momento hicieron que para mi padre contarlo fuera complicado, y más a sus hijos. Esta obra tiene algo de restitución, homenaje, regalo, de devolver la dignidad a la historia. ¿Por qué no tener derecho a cambiar de vida y tener derecho también a contarlo? ¿Cómo lo supo? Por familiares, pero no por él, que es el motor de esta historia. Y lo he contado a través de un personaje de ficción, Jorge Arizmendi, un cura navarro que se va a EE UU a aprender inglés y márketing, un viaje de transformación vital, encuentro con uno mismo, de preguntarse, de enamorarse... ¿Y por qué ese título? Porque primero tenía el título [ríe]. Luego apareció la necesidad de contar esta historia del cura que en 1963 deja de ser cura. Al ponerme a escribir, descubrí que, desde que arranca la historia, este cura está en un bar y su viaje por EE UU, España, Italia, Dinamarca... va de bar en bar y que los dueños de esos bares son españoles o hijos o nietos de españoles emigrados o exiliados. Me di cuenta de que había una conexión, una trama paralela a la del sacerdote.

Diario de Navarra

Alfredo Sanzol: “El teatro da forma de ficción al caos de la realidad”

Comentarios

Trasladado al HUN con pronóstico reservado tras golpearse la cabeza al descargar un camión

Fotos del concierto de Loquillo en el Navarra Arena

La alegría de una peregrina italiana en su Camino por Navarra

La noche trágica de Herrera

Sartenada de ceros merecidos tras la debacle del Ciutat de Valencia