Diario de Navarra

Cuando se corona a alguien como mejor director, se valoran sus capacidades técnicas para asombrar, sorprender y atrapar al espectador. Guillermo del Toro, por ejemplo, escogió un relato de cuento de hadas para sumergirlo en su universo y en sus pautas morales, y envolver con él a aquel público que sabía a lo que se enfrentaba. Para el cineasta mexicano, el choque de referencias y la unión imposible de géneros no se asemejan a una hecatombe ininteligible y áspera, sino a una oportunidad para modelar su ingenio y derribar cualquier barrera, tanto formal como en su significado, que separe una historia de la realidad brotada de su imaginación. En ese mundo en el que transita y en el que nosotros a veces también habitamos, los monstruos pueblan los rincones, las mujeres se masturban en la bañera, los sentimientos no se expresan con palabras, los escenarios se tornan barrocos y el mal conjuga su suerte con la ostentación y el brillo dorado de la opulencia. Con ese contexto para fijar los márgenes, el realizador aborda el romance sin miedo alguno en la variación de los tonos, del fantástico al drama o el thriller, siempre desplegando su poderío visual y el cuidado descriptivo de una fábula que mude en verdad en las cavilaciones de la audiencia. Por eso se alzó el domingo con el merecido Óscar, que respalda su virtuosismo en el manejo de la cámara, dotando al filme de unas bellas secuencias en continuo movimiento y unos planos espectaculares, hasta los instantes en los que nota que debe detener la acción para, congelando el objetivo, permitir que la protagonista hechice la pantalla con el candor de su mirada. Al mismo tiempo, reproduce en los decorados la estética lúgubre y terriblemente recargada que necesita su fantasía para cobrar vida en otra época, cuando las criaturas de las pesadillas de unos y los sueños de otros no nacían de un ordenador, sino de los disfraces, la pintura y el maquillaje que volvía mágico un ambiente que traspasaba con facilidad la epidermis. Sin embargo, todo este compendio de excelencias técnicas y narrativas -del que respondería sin duda a su vez el Spielberg de Los archivos del Pentágono, pese a no aparecer nominado- no corrige las fallas que deslucen el resultado final de La forma del agua, sobre todo en el dibujo de la relación entre los personajes principales. Ambos, el salvaje anfibio y la humilde muda, presentan un interior sencillo que, al mezclarse, da como fruto la aceptación al diferente y el valor de la energía para luchar contra los elementos y salvar un amor prohibido. Pero precisamente esa pasión no emana de un afecto fuerte y maduro, sino de una licencia argumental para que el motor carbure y dé consistencia a la idiosincrasia de la producción de Del Toro. EXPOSICIÓN DE LOS PERSONAJES Esta labor sí que se ejecuta en dos de las cintas que aspiraban a levantar el Óscar a mejor película: El hilo invisible y Tres anuncios en las afueras. En ellas, los roles se perfilan a la perfección para, a medida que avanza el metraje, ir completando su vínculo emocional y que este sirva de andamiaje a los devenires de la trama. Especialmente, en la obra de Martin McDonagh, en la que el avance se circunscribe a las sorpresas con las que un profundo estudio de la dualidad del ser humano se torna corpóreo y consigue que se entienda y se sienta como propio el sufrimiento y las aspiraciones de unas personas que respiran en los 35 milímetros y que, no obstante, sirven de fiel reflejo de nuestras conductas, pese a haber sido capturadas bajo el prisma de un ente que, a medio camino entre la violencia de Tarantino y la genialidad de los Coen, hunde la cabeza de su vástago en la ciénaga de un humor negro tan seco y ácido que flirtea demasiado con el rechazo. Pero si se analizan las candidatas a la gloria, esta fotografía de la América más obsoleta y rancia destaca sobre todas las demás, algunas de las cuales requieren de un gran esfuerzo para avalar su posición entre las aspirantes, como Lady Bird y su acercamiento a la rebeldía de la adolescencia, sin aportar nada en su libreto que salpique de novedad un tema común. O como Dunkerque, un filme de una espectacularidad audiovisual sin parangón y en el que resulta del todo imposible meterse en la piel de aquellos soldados prisioneros de una playa atestada del hedor de la muerte, cuando su hogar se atisbaba a tan solo 34 kilómetros; o Déjame salir, con la inclusión de una denuncia social dentro de un ejercicio que amalgama el terror con la comedia, sin generar mayor atractivo que su original propuesta. De hecho, su guion recogió el aplauso de la industria como único reconocimiento ante una trayectoria triunfal que anticipaba más de una sorpresa. En esta categoría, de nuevo, el texto de McDonagh contenía más empaque, tanto en su mensaje como en su estilo, que la cinta con la que Jordan Peele puso el racismo encima de una mesa de la que nunca debería caerse, aunque cíclicamente desaparezca y debamos recordarnos que aún existe. En su estamento mellizo, la adaptación más valorada recayó en la profundidad sentimental surgida de la cotidianidad de un verano de descubrimientos, salida de la mente de James Ivory -con casi tantos años como la misma Academia-, a su vez nutrida por la prosa de la novela de André Aciman. En la cuneta se olvidó el torrente de feroces y raudos diálogos redactados por el sublime Aaron Sorkin en Molly’s Game, su primera incursión en la dirección de largometrajes y una imparable sucesión de estocadas verbales arrolladoras que contrasta con la serenidad con la que su casi nonagenario rival cimentó la calma imprescindible para, cuando el momento oportuno arribara, arremeter con un discurso paternal que abría en canal las máximas de la tolerancia y la comprensión como método para edificar una existencia plena. Solo por eso y por su efectiva última escena, Call Me by Your Name se había labrado un vigoroso nombre en el recorrido de premios de la temporada. SIN SOBRESALTOS Entre los actores, hacía ya tiempo que las estatuillas se habían repartido sin posibilidad de discusión, comenzando por la más merecida: el triunfo de Frances McDormand, una actriz que ya contaba en su haber con un Óscar por Fargo y que este año, gracias a la hosquedad que imprime a su papel en Tres anuncios en las afueras, pudo subir al escenario y hacer levantar a todas las mujeres nominadas para escuchar sus palabras y subrayar que la sociedad aún no ha echado abajo todos los muros. Cierto que disponía de uno de los personajes más seductores, debido a su cinismo y a su lengua indomable, pero la proeza de suscitar comprensión y pintar de claroscuros su calidad de víctima inocente como madre de una joven violada y asesinada, colma de autenticidad la pantalla como ninguna de sus compañeras. La más próxima, Margot Robbie en una nueva demostración de que su versatilidad no conoce límites, tras las intensas interpretaciones llevadas a cabo en El lobo de Wall Street y Escuadrón suicida, y que en esta ocasión despunta al encarnar la complicada personalidad de la impetuosa patinadora Tonya Harding en Yo, Tonya. Junto a ella, por supuesto, la adorable mezquindad recreada por Allison Janney en una madre solo movida por el egoísmo y la codicia, muy en la línea del talante al que tuvo que hacer frente otro de los actores de reparto, Christopher Plummer, que llegó de rebote a Todo el dinero del mundo y que eleva él solo el listón de un trabajo con más ambición que rendimientos. En la contienda masculina, más reñida que la femenina, Sam Rockwell terminó victorioso la velada por similares razones que su partenaire, Frances McDorman, esto es, por rellenar con acierto los huecos de un carácter complejo, el de un policía paleto y vehemente que muestra una percepción y un discernimiento muy alejados de la imagen tradicional de un sujeto semejante. Mientras, Willem Dafoe partió sin ovación después de haber ejemplificado la misma facultad: el entendimiento a situaciones extremas en una de las más sobresalientes actuaciones de su carrera, como encargado de un hotel pintado de ensueño y cerrado a los anhelos en The Florida Project. En tanto, Gary Oldman certificó los pronósticos y abrazó el Óscar a mejor actor gracias a su reencarnación de Winston Churchill en El instante más oscuro, y debido sobre todo a su talento para dar cobijo en un único rostro al sinfín de dudas, la aprensión por las consecuencias de sus actos y la fortaleza de erigirse en un líder firme y resuelto para librar a su país de la barbarie nazi. El destino no quiso nuevamente hacer historia con Daniel Day-Lewis, pese a su óptima aproximación al modisto Reynolds Woodcock, a su irascible temperamento y a su manera de amar desde la distancia y el padecimiento, en El hilo invisible; mientras que la juventud de Timothée Chalamet quizá le restó opciones en la pugna hacia el galardón, a pesar de que su eterno plano final en la película dirigida por Luca Guadagnino propague una admiración incalculable. Tiempo habrá de encontrarlo otro año en el Dolby Theatre, que en esta edición de los Óscar cobró acento mexicano en una noche que, además de Del Toro, entronizó a una de las películas más emotivas que Disney ha gestado, Coco, un colorido musical que penetra en lo más hondo del alma con su alegato sobre la consideración del recuerdo a los antepasados, el respeto a las tradiciones y el cobijo familiar como marco en el que crecer rodeado de cariño e indulgencia. Un cuento utilizado también para revelar la excelencia a la que puede llegar el ser humano.

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El embrujo de la noche mexicana

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